Concert symphonique 20

Orchestre de chambre d'Europe | Bernard Haitink | Isabelle Faust


dim. 4 sept.11h00Nᵒ 16304

KKL Luzern, salle de concert

Vergangenes Konzert

emmener ses enfants au concert gratuitement

Places pour fauteuils roulants: merci de réserver au t +41 (0) 41 226 44 80 (de 10h à 17h)

Festival d'été

12/8-11/9 2016







    KKL Luzern, salle de concert

    Concert symphonique 20

    Orchestre de chambre d'Europe | Bernard Haitink | Isabelle Faust

    Bernard Haitink  direction
    Bernard Haitink fête ses cinquante ans de concerts à Lucerne
    Antonín Dvořák (1841–1904)
    La Colombe sauvage op. 110
    Concerto pour violon en la mineur op. 53
    Symphonie no 7 en ré mineur op. 70
    « Il y a dans sa sonorité de la passion, du mordant et de l’électricité », lit-on dans un compte rendu du New York Times sur la violoniste allemande Isabelle Faust. Quiconque l’a entendue l’été dernier à Lucerne à l’un de ses six concerts d’« artiste étoile » ne pourra qu’être d’accord. Depuis 2009, elle est régulièrement invitée au LUCERNE FESTIVAL et ravit le public avec des œuvres on ne peut plus variées, de Biber à Kurtág. Polyvalence, sérieux et un art consommé de l’interprétation, telle est la marque de fabrique de cette artiste authentique qui se tournera cette fois-ci vers l’étincelant Concerto de Dvořák que l’on entend beaucoup trop rarement au concert. Avec Bernard Haitink, l’un de ses partenaires favoris à la baguette, elle a un allié de poids pour défendre la cause du compositeur tchèque. De celui-ci, le chef hollandais interprétera également le poème symphonique La Colombe sauvage et la fiévreuse et dramatique Septième Symphonie. Un vrai plaidoyer.

    Offre spéciale : emmener ses enfants au concert gratuitement
    Quoi de plus beau que d’initier ses enfants aux joies de la musique classique ? Pour ce concert, l’achat d’un billet vous donne droit à un deuxième billet gratuit de même catégorie pour un enfant de 10 à 17 ans dans la limite des places disponibles. Vous pouvez commander vos places de concert par téléphone au +41 (0)41 226 44 80. Nous sommes à votre disposition du lundi au vendredi, de 10h à 17h.

    Orchestre de chambre d'Europe

    The Chamber Orchestra of Europe (COE) was founded in 1981 by a group of young musicians who became acquainted as part of the European Union Youth Orchestra. There are now approximately 60 members of the COE, which combines principals and section leaders from international ensembles, eminent chamber musicians, and music teachers. From the start, the COE’s identity was shaped by its partnerships with leading conductors and soloists. It was Claudio Abbado above all who served as an important mentor in the early years. He led the COE in such stage works as Rossini’s Il viaggio à Reims and Il barbiere di Siviglia and Mozart’s Figaro and Don Giovanni and conducted numerous concerts featuring works by Schubert and Brahms in particular. Nikolaus Harnoncourt also had a major influence on the development of the COE through his performances and recordings of all the Beethoven symphonies, as well as through opera productions at the Salzburg, Vienna, and styriarte festivals. In the 2016-17 season the COE worked with such figures as Piotr Anderszewski, Renaud Capuçon, Vladimir Jurowski, and Sir András Schiff. Yannick Nézet-Seguin conducted the COE in Mozart’s La clemenza di Tito in Baden-Baden in July 2017. Bernard Haitink appears regularly at the podium. Under him the COE has performed the complete symphonies and concertos of Beethoven, Brahms, and Schumann at LUCERNE FESTIVAL; in January 2017 the orchestra appeared with Haitink at the Amsterdam Concertgebouw. The COE has recorded more than 250 works; its CDs have garnered 60 international prizes, including the Grammy Award, the Record of the Year Award from Gramophone, and the MIDEM Classical Download Award. Their most recent release is of violin concertos by Mendelssohn and Schumann with Carolin Widmann as the soloist; they will release the complete Mendelssohn symphonies led by Nézet-Séguin later in 2017.

    LUCERNE FESTIVAL (IMF) debut on 21 August 1986 in a program of works by Prokofiev, Mendelssohn, and Brahms under Claudio Abbado.

    For further information on this ensemble, visit their homepage at:

    April 2017

    Autres dates

    Bernard Haitink

    Bernard Haitink was born in 1929 in Amsterdam. Trained as a violinist, he appeared on the podium for the first time in 1954 to conduct the Netherlands Radio Symphony Orchestra. In 1956 he made his debut with the Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam, which in 1961 appointed him Music Director; for 27 years he had full responsibility there. Haitink has also held leadership positions with the London Philharmonic Orchestra (1967–79), the Glyndebourne Festival (1977–88), the Royal Opera House in London (1987–2002), and the Staatskapelle Dresden (2002–04) and has served as Principal Conductor of the Chicago Symphony Orchestra (2006–10). As a guest conductor, Haitink has led such ensembles as the Berlin and Vienna Philharmonics, the Boston Symphony Orchestra, and the Bavarian Radio Symphony Orchestra. In the 2016-17 season he additionally worked with the London Symphony, the Orchestre National de France, the Zurich Tonhalle Orchestra, the Orchestra Mozart, and the Orchestra of La Scala Milan. Music of the 19th and early 20th centuries is the focus of his repertory. His interpretations of Bruckner, Mahler, and Shostakovich in particular have become benchmarks, but Haitink is equally well known for his performances of Viennese Classicism. In recent years at LUCERNE FESTIVAL Haitink has devoted himself to performing cycles of the complete symphonies and concertos of Beethoven, Brahms, and Schumann. He is also associated with the Festival in the realm of education through the master class in conducting that he has led annually at Easter since 2011. Haitink is an Honorary Conductor of the Royal Concertgebouw Orchestra, a Knight of the British Empire, a Companion of Honour, and a member of the Order of the House of Orange-Nassau.  In 2017 he received the highest civil honor of his homeland when he was promoted to Commander of the Order of Lion of the Netherlands.

    LUCERNE FESTIVAL (IMF) debut on 17 August 1966 with the Swiss Festival Orchestra in a program of works by Schubert, Martin, and Mahler.

    April 2017

    Autres dates

    Isabelle Faust

    The violinist Isabelle Faust was born in 1972 in Baden-Württemberg. Only 11 when she founded her own string quartet, she won the Leopold Mozart Competition in 1987. In Christoph Poppen she discovered a mentor for whom chamber music was also a central part of musical life. After winning the Paganini Competition in 1993, she moved to France, where she intensively studied the works of Fauré and Debussy and became known for her recordings of the sonatas of Bartók, Szymanowski, and Janáček. Faust performs a repertoire ranging from the early Baroque and Bach up to such contemporary composers as György Ligeti, Helmut Lachenmann, and Jörg Widmann. She is especially interested in examining how a work has been created, which includes studying original sources and taking into account historically informed performance practice. Faust, who was “artiste étoile” during the 2015 Lucerne Summer Festival, works regularly with the Berlin Philharmonic, the Boston Symphony Orchestra, the Chamber Orchestra of Europe, and the Freiburg Baroque Orchestra and has performed with such conductors as Giovanni Antonini, Frans Brüggen, Bernard Haitink, Daniel Harding, Philippe Herreweghe, and Mariss Jansons. Faust concertized regularly with Claudio Abbado in particular; she also recorded the violin concertos of Beethoven and Berg with Abbado, winning the Diapason d’Or, the Echo Klassik, and the Gramophone Award. With her duo partner, the pianist Alexander Melnikov, she has recorded the complete sonatas of Beethoven and Brahms; her most recent release is a Schumann recording that includes the Violin Concerto and the Piano Trios. Isabelle Faust plays the “Sleeping Beauty” Stradivari from 1704.

    LUCERNE FESTIVAL debut on 12 September 2009 playing Michael Jarrell’s … Paysages avec Figures absentes … (Nachlese IV), with the Ensemble Contrechamps under Stefan Asbury.

    August 2016

    «Die Violine ist ein emanzipiertes Instrument»
    Isabelle Faust über Geigen-Pionierinnen, Karrierevoraussetzungen und ihre Violine «Dornröschen»

    Isabelle Faust, beim diesjährigen Sommer-Festival in Luzern spielen Sie Antonín Dvořáks Violinkonzert. Dieses Werk wurde ursprünglich für den grossen Virtuosen Joseph Joachim komponiert, der es indes öffentlich nie zur Aufführung brachte. Stattdessen hat er einmal behauptet, Dvořáks Konzert sei für eine Frau viel zu schwierig. Was sagen Sie dazu?
    Wenn ich derselben Meinung wäre, würde ich dieses Stück natürlich gar nicht spielen, denn wer will sich schon in aller Öffentlichkeit blamieren … Ich denke, es gibt genug weibliche Geigerinnen, die längst die voreiligen Worte des von mir verehrten Joseph Joachim Lügen gestraft haben. Das Dvořák-Konzert war übrigens eines der allerersten grossen Violinkonzerte, die ich mir in jungen Jahren vorgenommen hatte, und ich liebe es heute noch genauso wie damals.

    Joseph Joachim wurde noch zu Lebzeiten widerlegt, nämlich von seiner eigenen Schülerin Maud Powell, die 1893 in New York die amerikanische Erstaufführung des Dvořák-Konzerts spielte. Wer sind für Sie die «prime donne», die grossen Pionierinnen unter den Violinvirtuosen?
    Es gab in der Vergangenheit fantastische, hochtalentierte Geigerinnen, ich denke da zum Beispiel an Isolde Menges, Kathleen Parlow, Alma Moodie, Ginette Neveu, Erica Morini, Galina Barinova, Ida Haendel und viele andere. Schon allein die Zahl weiblicher Virtuosinnen, die das doch sehr «maskuline» Brahms-Konzert kurz nach der Uraufführung durch Joseph Joachim einstudiert und erfolgreich aufgeführt haben (man denke nur an Marie Soldat, die Brahms höchstpersönlich damit in Entzücken versetzte!), ist beachtlich … Auch Stefi Geyer fällt mir jetzt spontan ein, die Geigerin, für die Bartók und Schoeck ihre Violinkonzerte schrieben. Oder Jelly d’Arányi, für die Ravel seine Tzigane schuf. Einen ersten bedeutenden Durchbruch für die Akzeptanz des weiblichen Violinspiels erzielten die Milanollo-Schwestern in den 1840er Jahren: Sie durchbrachen offenbar einige Vorurteile, denn die Violine wurde im 19. Jahrhundert allgemein tatsächlich als «nicht feminin» angesehen. Gleichzeitig aber wurde den konzertierenden Damen oft ein besonders gefühlstiefes (weniger virtuoses) Spiel zugeschrieben. In diesem Kontext ist es zum Beispiel sehr interessant zu sehen, wie die Geigerin Wilma Neruda in vielen Rezensionen Joseph Joachim quasi gleichgestellt wurde. Sie war so geschätzt, dass sie es sogar wagen konnte, zeitgenössische Werke aufzuführen.

    Wenn Sie an Ihre eigene Jugend zurückdenken, an Ihre Anfänge: Gab es da Geigerinnen, die Sie sich zum Vorbild nahmen? Oder haben Sie sich eher an männlichen Kollegen orientiert?
    Anne-Sophie Mutter war damals natürlich sehr präsent und wurde gerade in meiner baden-württembergischen Heimat sehr bewundert. Auch Kyung-Wha Chung und später Midori waren beeindruckende Beispiele. Ich hing musikalisch aber doch eher an älteren Vorbildern aus der Riege Isaac Stern, Arthur Grumiaux, Adolf Busch, Zino Francescatti und eben Ginette Neveu. Im Klavierrepertoire gibt es Werke, zum Beispiel die Klavierkonzerte von Brahms, die wesentlich seltener von Frauen als von Männern gespielt werden. Kennen Sie ein vergleichbares Phänomen im Violinrepertoire?
    Ich denke nicht, dass es so etwas bei der Geige gibt – sie benötigt im Vergleich zur Klaviertastatur vielleicht weniger dringend grosse, kraftvolle Hände. Hier entscheidet wohl eher der musikalische Geschmack als die speziell «maskulinen» beziehungsweise «femininen» Voraussetzungen. Ich jedenfalls habe solche Repertoire-Präferenzen bei den Geigern oder Geigerinnen noch nicht feststellen können und musste auch selber bisher noch nie auf ein bestimmtes Stück verzichten, weil es mir «zu maskulin» erschienen wäre.

    Sieht man auf die ganz junge Generation – ob unter den Solisten oder in Orchestern –, dann hat man den Eindruck, dass die Frauen, die Geigerinnen, längst in der Überzahl sind. Wie erklären Sie sich diesen Boom? Ist die Geige ein ideales «Frauen-Instrument»?
    Vielleicht wird das auch etwas überinterpretiert – ich denke, es gibt genauso viele wunderbare männliche Kollegen. Die Damen sind vielleicht einfach nur aufgerückt, vor allem seit die Orchester, die früher keine Frauen akzeptierten, sich geöffnet haben. Die Orchester waren ja lange eine pure Männer-Domäne, man denke nur an den legendären Skandal um Sabine Meyer! Speziell für die Violine braucht man aber wahrscheinlich, vor allem am Anfang, besonders viel Disziplin und Zielstrebigkeit, was manchen Mädchen in jungen Jahren vielleicht weniger Schwierigkeiten bereitet als den Jungs. Ich glaube aber wirklich, dass die Violine ein ganz emanzipiertes Instrument ist, das sich in den unterschiedlichsten Händen wohlfühlen kann.

    Ihre eigene Geige, eine Stradivari aus dem Jahr 1704, trägt den Namen einer weiblichen Märchengestalt: Dornröschen. Wissen Sie, wie es dazu kam?
    Sie hat sehr lange, ungefähr 150 Jahre, in einem Herrenhaus im Schrank geschlummert, man hatte sie tatsächlich einfach vergessen, daher der märchenhafte Name. Dass es hier um eine weibliche Märchenfigur geht, ist natürlich purer Zufall. Aber es stimmt, dass diese Violine besonders elegant, wenn nicht sogar zart gebaut ist, vor allem im Vergleich zu den späteren Stradivari-Modellen.

    Und musste dieses «Dornröschen» tatsächlich erst wachgeküsst werden?
    Es kam mir wirklich so vor, und diese royale Prinzen-Aufgabe ist mir zugefallen (da sieht man mal wieder, wie man mit den Rollenmustern falsch liegen kann). Ein Instrument möchte nach so vielen Ruhejahren erst einmal «freigespielt» werden, sich öffnen, aber auch kennengelernt werden. Das hat ein bisschen gedauert, aber nach zwanzig gemeinsamen Jahren sind wir jetzt «per Du».

    Die Fragen stellte Susanne Stähr

    Die gesamte Serie «Frauenfragen» können Sie im Festival-Blog nachlesen.