Symphony Concert 25

Vienna Philharmonic | Emmanuelle Haïm | Sandrine Piau


Thu, 16328

KKL Luzern, Concert Hall

Vergangenes Konzert

Please book a wheelchair ticket under t +41 (0) 41 226 44 80 (10 a.m. to 5 p.m.)

Summer Festival

12.08.-11.09. 2016



    Emmanuelle Haïm  conductor
    Sandrine Piau  soprano
    George Frideric Handel (1685–1759)
    Concerto grosso in G major, Op. 6, no. 1, HWV 319
    Suites No. 3 in G major from Water Music
    Suite No. 1 in F major from Water Music
    Il delirio amoroso HWV 99

    Only in 1997 did the storied Vienna Philharmonic begin to accept female musicians as members; and the orchestra has been conducted by a woman only two times in its almost 175-year history. The French Emmanuelle Haïm now widens this tiny circle while also pioneering in yet another area. For this expert in historically informed performance practice and excellent harpsichordist will also perform on her instrument as she leads the Vienna players into unusual aesthetic realms. When she did the same with their Philharmonic rivals in Berlin, whom Haïm has already conducted three times, it was a splendid success. “Haïm pushed the melodic lines and flexibly phrased dotted rhythms to extremes, inspiring the strings, which played with sparing vibrato, to a marvelous pianissimo. All the sensual pleasure of Baroque music flowed into the hall,” wrote Wolfgang Schreiber in the Süddeutsche Zeitung about the maestra, who even seemed at times to be conducting with her locks of hair as they bobbed while she played the harpsichord.

    Vienna Philharmonic

    A concert given on 28 March 1842 by members of the Imperial Court Opera Orchestra and led by Otto Nicolai in Vienna’s Grand Ballroom inaugurated the Vienna Philharmonic. The principles established then have remained in place. One is the stipulation that only musicians of the Vienna Staatsoper (the Court Opera at the time) can become members. Another is that all decisions regarding artistic, organizational, and financial autonomy are made by general assembly. In 1877 the Philharmonic performed for the first time outside Vienna at the Salzburg Music Festival; in 1900 came the first performance abroad, at the Paris World Exposition, with Gustav Mahler conducting. In addition to Mahler, other composers who have appeared on the podium include Wagner, Verdi, Bruckner, Brahms, and, most notably, Richard Strauss. The list of music directors includes such names as Hans Richter, Felix Weingartner, Wilhelm Furtwängler, and Clemens Krauss. Starting in 1933, the model of a permanent chief conductor was replaced by that of a close artistic collaboration with outstanding artistic personalities of the time, with Karl Böhm, Herbert von Karajan, and Leonard Bernstein in particular making important contributions to the ensemble’s history. Since being founded, the Vienna Philharmonic has given some 9,000 concerts and performed on five continents. It has been a part of the Salzburg Festival since 1922 and of LUCERNE FESTIVAL since 1957 and is currently a regular guest at the Vienna Festwochen and Salzburg Mozartwoche, additionally offering its own concert series in New York, Paris, London, and Japan. Highlights of each season include the New Year’s Concert, which is broadcast to over 90 countries, and the Summer Night Concert at Schönbrunn, attended annually by up to 100,000 people. Rolex is the exclusive partner of the Vienna Philharmonic.

    LUCERNE FESTIVAL (IMF) debut on 1 September 1957 in a program of works by Schumann, Barber, and Beethoven, with Dimitri Mitropoulos conducting.

    For further information on this ensemble, visit their homepage at:

    July 2018

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    Emmanuelle Haïm

    The French harpsichordist and conductor Emmanuelle Haïm studied at the Conservatoire National Supérieur de Musique in Paris: piano with Yvonne Lefébure, organ with André Isoir, and harpsichord with Kenneth Gilbert and Christophe Rousset. She took five first prizes at the completion of her training. She attracted the attention of William Christie, who invited her to perform as harpsichordist with his ensemble Les Arts Florissants and soon entrusted her with responsibility for concert rehearsals as well. As an assistant to Sir Simon Rattle she acquired additional experience at the podium. In 2000 Haïm founded her own ensemble, Le Concert d’Astrée, with which she presents opera productions and ambitious concert projects. In the 2016-17 season they will perform programs in London, Paris, Zurich, and Brussels including French Baroque arias with Magdalena Kožená, a revival of Handel’s Il trionfo del tempo, and Monte-
    verdi’s Ulisse. As an opera conductor she has also appeared at the Glyndebourne Festival, where she has led Handel’s Theodora and Monteverdi’s Poppea; she was the first woman to conduct at Chicago Lyric Opera, where she led Handel’s Giulio Cesare. Haïm has conducted the Orchestra of the Age of Enlightenment, the Frankfurt Radio Symphony Orchestra, the Concerto Köln, the Los Angeles Philharmonic, and the City of Birmingham Symphony Orchestra. Since her debut with the Berlin Philharmonic in 2008, she has worked on a regular basis with that orchestra. The present all-Handel program is her first project in collaboration with the Vienna Philharmonic. Emmanuelle Haïm is an Honorary Member of the British Royal Academy of Music, as well as an Officier dans l’Ordre des Arts et des Lettres and a Chevalier de la Légion d’honneur. Her recordings have twice been awarded the Victoires de la Musique Classique and have garnered an Echo Klassik Award.

    August 2016

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    Sandrine Piau

    Born near Paris, the French soprano Sandrine Piau initially studied harp before turning to vocal studies at the Paris Conservatoire Supérieur National de Musique. Her encounter with William Christie prompted her to devote herself intensively to Baroque music, which remains a focus of her repertoire. Along with Christie, in this area she has worked with such conductors as Nikolaus Harnoncourt, Philippe Herreweghe, René Jacobs, Ton Koopman, Gustav Leonhardt, Marc Minkowski, and Christophe Rousset. Piau has additionally made her name as a Mozart singer and an interpreter of selected operatic roles up into the 20th century. She has performed Mozart’s Pamina (Die Zauberflöte) and Donna Anna (Don Giovanni) at the Théâtre des Champs-Elysées, Sophie in Massenet’s Werther at the Châtelet, and Debussy’s Mélisande at the Théâtre Royal de la Monnaie in Brussels. In the summer of 2016 she appeared as Despina in a new production of Mozart’s Così fan tutte at the Festival d’Aix-en-Provence, and in November she will perform in Rameau’s Zoroastre at the Theater an der Wien. Among her credits are concerts with such orchestras as the Berlin and Munich Philharmonics, the Boston Symphony Orchestra, and the Orchestre de Paris. Sandrine Piau is also dedicated to cultivating both the French and German art song repertoire, with Jos van Immerseel, Corine Durous, Roger Vignoles, and Susan Manoff among her musical partners. Her recordings have garnered such distinctions as the Prix Charles Cros (Mozart arias CD), the Prix Ravel aux Orphées (Debussy songs), and the Cannes Classical Award at MIDEM 2010 (Handel duets). Sandrine Piau is a Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres and was named Opera Singer of the Year in the Victoires de la Musique Awards for 2009.

    LUCERNE FESTIVAL debut on 16 April 1992 in Bach’s St. Matthew Passion, conducted by Philippe Herreweghe.

    August 2016

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    «Ich bin glücklich, dass ich eine Frau bin»
    Emmanuelle Haïm über barockes Repertoire, moderne Orchester und die passende Konzertkleidung

    Emmanuelle Haïm, Sie haben Ihre Laufbahn als Cembalistin begonnen. Wann und wodurch kamen Sie auf die Idee zu dirigieren?

    Eigentlich war das eine ganz alte Idee. Ich hatte sie bereits, als ich sieben oder acht Jahre alt war, und ich hatte auch als Schülerin schon den Schulchor dirigiert – unser Musiklehrer liess mich einfach gewähren. Später habe ich dann Musik in sehr umfassendem Sinn studiert: Theorie und Harmonielehre, Klavier und Cembalo, um möglichst viele Bereiche abzudecken. Den Wunsch zu dirigieren behielt ich immer im Hinterkopf, aber es fehlte mir anfangs noch die Courage. Mein Glück war, dass ich mich auf Barockmusik spezialisiert hatte, da sind die Grenzen nicht so hierarchisch: Wer am Tasteninstrument spielt, hat automatisch eine grössere musikalische Verantwortung und wird auch zur Einstudierung des Chores, der Solisten oder einzelner Instrumentengruppen herangezogen. Mit dem Ergebnis, dass man das ganze Werk am Ende sehr gut kennt. Nachdem ich das einige Jahre mit den verschiedensten Dirigenten gemacht hatte, schien mir die Zeit reif, selbst die Leitung zu übernehmen. Einige Ensembles hatten das schon angefragt, das Orchestra of the Age of Enlightenment zum Beispiel oder Les Folies Françoises und sogar das Glyndebourne Festival. Und da mich auch befreundete Dirigenten wie Louis Langrée und Simon Rattle ermutigten, habe ich 1999 mit dem Dirigieren begonnen.

    Was war für Sie die grösste Herausforderung?
    Es kommt auf den langen Atem an. Wenn man sich erstmals vorstellt und debutiert, sind die Leute meist interessiert, aber wer auf Dauer Erfolg haben und sich durchsetzen will, der muss ganz schön kämpfen. Gerade wenn man ein eigenes Ensemble hat: Dann geht es plötzlich um Subventionen, um Spielstätten und all die Voraussetzungen, die erst einmal erfüllt sein müssen, damit man überhaupt auftreten kann.

    Warum gibt es noch immer so wenige Frauen am Pult?
    Das ist in der Geschichte begründet, in den gesellschaftlichen Strukturen, wie sie über die Jahrhunderte Gültigkeit hatten. Die öffentliche Rolle, die Machtposition, gebührte früher allein den Männern – die Frauen dagegen wirkten im Hintergrund und hatten die Männer zu unterstützen. Wer etwa als «Stardirigent» an der Spitze zweier grosser Sinfonieorchester stand, der hat sich natürlich nicht um die Familie oder um die Organisation des Alltags kümmern können. In der Wirtschaft oder in der Politik war das bei den Spitzenpositionen genau dasselbe. Oder auch bei einem Berufsstand wie den Piloten. Es ist also eine gesamtgesellschaftliche Aufgabe, hier eine bessere Balance zu finden, damit Männer und Frauen dieselben Chancen haben. Wir dürfen auch nicht vergessen, dass Frauen bis vor ein paar Jahrzehnten überhaupt nur arbeiten durften, wenn ihre Ehemänner zustimmten, dass sie also ohne diese Genehmigung kein Geld verdienen konnten. Und noch früher durften sie nicht einmal studieren. Die jungen Leute, die heute zwanzig sind, können sich das meist gar nicht mehr vorstellen.

    Haben Sie persönlich Vorbehalte zu spüren bekommen, weil Sie eine Frau sind?
    Ach, wenn es das gegeben habe sollte, dann bin ich so strukturiert, dass ich es ausblende. Ich bin ganz von der Schönheit der Musik besessen, die ich ergründen will, und das macht mich blind für alles andere.

    2008 haben Sie bei den Berliner Philharmonikern debutiert, aber Sie mussten sich dieses Debutkonzert mit Susanna Mälkki teilen: Mälkki dirigierte in der ersten Hälfte Werke von Webern und Strawinsky, Sie dann im zweiten Teil Händels Cäcilien-Ode. So ein halbes Konzert ist doch recht ungewöhnlich, oder?
    Ja, das war speziell, und es fand auch noch am Weltfrauentag statt, am 8. März. Aber wir beiden haben das, glaube ich, wirklich gut gelöst: organisatorisch, was die Aufteilung der Proben anging, aber auch dramaturgisch, denn wir haben auch unsere Programme schön aufeinander abgestimmt. Und für das Orchester war dieser Umbruch auch besonders, denn es bekam gleich zwei Frauen auf einmal an sein Pult – vielleicht machte es das sogar einfacher.

    Mittlerweile sind Sie die erste und einzige Frau, die von den Berliner Philharmonikern mehrfach eingeladen wurde – Sie haben dieses Orchester inzwischen bei drei Programmen geleitet. Wie haben Sie das geschafft?
    Ich arbeite sehr gern mit den Berliner Philharmonikern zusammen und finde, dass sie wirklich wagemutig sind, denn das Repertoire, das ich mit ihnen aufführe, ist für sie meist neu. Als ich mit ihnen Rameau spielte, haben sie das so bezwingend getan, mit einer stilistischen Finesse, dass es eine reine Freude war. Natürlich gibt es unter ihnen auch einige Spezialisten, die schon auf historischen Instrumenten gespielt haben, also Erfahrung mitbringen. Und allesamt sind sie sehr neugierig und scharf darauf, einmal andere Werke zu erkunden. Simon Rattle hat diese Haltung sicher befördert, denn er interpretiert mit dem Orchester ja ein sehr weites Repertoire – man denke nur an die Matthäus-Passion in der Inszenierung von Peter Sellars. Barockmusik mit solcher Hingabe zu spielen, wie es bei den Berlinern der Fall ist, dazu gehört schon Mut, wenn man eigentlich auf ganz andere Epochen gepolt ist.

    Bei dem erwähnten Debutkonzert 2008 traten Sie in einem langen Abendkleid auf – und schon als Sie das Podium betraten, hörte man im Publikum ein «Aaah…».
    Ich habe mich in Abendkleidern immer wohler gefühlt als in Hosenanzügen, sie sind einfach eleganter und passen auch besser zu mir. Natürlich sollte das Kleid nicht zu sehr ablenken und im Schnitt nicht zu extravagant sein, man muss meine Dirigierbewegungen ja noch sehen können … Aber wenn ich ein Kleid finde, in dem ich gut sitzen, stehen und mich bewegen kann, so wie ich es bei den Konzerten brauche, dann ist das wunderbar. Ich bin glücklich, dass ich eine Frau bin – warum soll ich das verstecken?

    Nun dirigieren Sie bei uns die Wiener Philharmoniker, ein weiteres dieser grossen Traditionsorchester. Was ist für Sie der wesentliche Unterschied zwischen der Arbeit mit Ihrem eigenen, auf Barock spezialisierten Ensemble, dem Concert d’Astrée, und einem solchen «modernen» Orchester?
    In einem Ensemble wie dem Concert d’Astrée kennen sich alle sehr gut und konzentrieren sich auf ein festes gemeinsames Repertoire – das ist ähnlich wie bei einer Jazzband. Bei den grossen Sinfonieorchestern ist es dagegen eher die gemeinsame Tradition, die verbindet: Man hat dafür eine erstaunliche Klangkultur entwickelt und während der Ausbildung perfekt erlernt. Wenn ich mit einem «modernen» Sinfonieorchester arbeite, dann stellt sich zum Beispiel nicht die Frage nach der richtigen Tonstimmung, die bei einem Barockensemble zentral ist. Denn für die französische Barockmusik werden die Instrumente auf 392 Hertz gestimmt, bei Monteverdi dagegen auf 465 Hertz usw. – das ist eine delikate Angelegenheit. Aber die Gemeinsamkeit ist natürlich, dass jeder gute Musiker in der Lage ist, gute Musik perfekt zum Klingen zu bringen. Die Grenzen zwischen «historisch-informiert» und «traditionell» sind überwindbar, man muss nur den Mut aufbringen, sich auf die jeweils andere Welt einzulassen. Für die Wiener Philharmoniker habe ich ganz bewusst eine frühe Händel-Kantate ausgesucht, die er in noch Italien komponiert hat: Hier treten einzelne Instrumente – die Violine, die Oboe, das Cello und die Blockflöte – solistisch hervor, und sie müssen eine unglaublich bildkräftige Musik zu Gehör bringen, denn es geht um einen Heldin, eine junge Schäferin, die ihren Geliebten verliert und dem Wahnsinn verfällt. Die Musiker müssen dabei in ein konzertantes Wechselspiel mit der Stimme treten, die ebenfalls sehr instrumental geführt wird. Ich hoffe, die «Wiener» werden das mögen.

    Auf der historischen Achse sind Sie bis Mozart vorangekommen. Könnten Sie sich auch vorstellen, einmal Brahms oder Mahler zu dirigieren?
    Nein, das glaube ich nicht. Für mich ist die Barockmusik perfekt, ich habe sie schon als junge Pianistin geliebt, obwohl ich natürlich auch Musik aus späteren Epochen gespielt habe, Schubert und Schumann oder Strawinsky und Ravel. Aber in der Barockmusik gibt es noch so viel zu entdecken, viele Opern von Lully und Cavalli zum Beispiel, Frescobaldi, Monteverdi und Purcell oder die ganze Bach-Familie. Es macht einfach Spass, diese Werke aufzuspüren und sie dann zu neuem Leben zu erwecken. Das ist meine Domäne. Ob Mahler mich dagegen wirklich braucht – das weiss ich nicht.

    Interview: Susanne Stähr

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