Symphony Concert 15

Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam | Daniele Gatti | Sol Gabetta

Weber | Schumann | Bruckner

Mon, 29.08.19.30No. 16319

KKL Luzern, Concert Hall

Vergangenes Konzert


Please book a wheelchair ticket under t +41 (0) 41 226 44 80 (10 a.m. to 5 p.m.)

Summer Festival

12.08.-11.09. 2016

 

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    29.

    Aug

    Monday
    19.30

    KKL Luzern, Concert Hall

    Symphony Concert 15

    Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam | Daniele Gatti | Sol Gabetta

    Daniele Gatti  conductor
    Carl Maria von Weber (1786–1826)
    Overture to the Romantic opera Oberon
    Robert Schumann (1810–1856)
    Concerto for violoncello and orchestra in A minor, Op. 129
    Anton Bruckner (1824–1896)
    Symphony No. 4 in E flat major, WAB 104 Romantic
    (version from 1878/80 in the Leopold Nowak edition)
    A Romantic opera and a Romantic symphony, both of which take their titles from the name of an era, frame this program. They point both to the concept and to the secret underlying this concert. “A song sleeps in all things, / Which dream on and on, / And the world begins to sing, / If only you find the magic word,” wrote the poet Joseph von Eichendorff. In Weber’s Oberon Overture and Bruckner’s Romantic Symphony, it is the horn whose call evokes this magical world. And Schumann’s late Cello Concerto, too, begins with a magic formula that awakens the song, the dreamy melody of the solo part. Here are insights into German Romanticism presented by an Italian maestro, an Argentine cellist, and a world-class orchestra from Amsterdam, which has internalized this music through the incomparable tradition of its lead conductors, from Willem Mengelberg through Bernard Haitink to Mariss Jansons.

    Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam

    The Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam (RCO) was founded in 1888 as the Concertgebouw Orkest to mark the dedication of Amsterdam’s concert hall; since its 100th birthday in 1988, its name has included the adjective “royal” in its name. In the first five decades of its history the RCO was decisively shaped by Willem Mengelberg, who established its great Mahler tradition. “Truly splendid, full of youthful freshness and enthusiasm,” was Richard Strauss’s assessment of the ensemble in 1897. Dozens of composers have ascended the RCO’s podium ever since: from Mahler, Debussy, Bartók, and Stravinsky through Berio, Nono, and Henze to – in recent years – George Benjamin, Oliver Knussen, Tan Dun, Thomas Adès, and Michel van der Aa. Internationally renowned conductors have also regularly performed in Amsterdam, from Pierre Monteux, Bruno Walter, and Otto Klemperer through Georg Solti, George Szell, and Eugen Jochum to the podium stars of our own time. Eduard van Beinum was the first to helm the RCO as Music Director following the Second World War; his successors have included Bernard Haitink (1961–1988), Riccardo Chailly (1988–2004), and Mariss Jansons (2004–2015). Since 2016 Daniele Gatti has held the position of Music Director; during the 2017-18 season he will also lead tours to the United States, Japan, and Korea. The Royal Concertgebouw Orchestra today comprises 120 members from 25 nations. As part of the “RCO Meets Europe” project, by 2019 it will have traveled to all 28 countries of the European Union in order to affirm the idea of international understanding and the unity of the continent. Some 1,100 recordings on LP, CD, and DVD, which since 2004 have been released on the Orchestra’s in-house RCO label, document their artistic achievements. The Royal Concertgebouw Orchestra is generously supported by ING Group and Unilever.

    LUCERNE FESTIVAL (IMF) debut on 3 September 1972 in a program of music by Stravinsky and Bruckner’s Seventh Symphony under Bernard Haitink.

    Further information: www.concertgebouw.nl

    May 2017

    Other dates

    Daniele Gatti

    Daniele Gatti began his tenure as Music Director of the Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam in 2016. Born in 1961 in Milan, he studied piano, violin, composition, and conducting at the Verdi Conservatory there and was 27 when he made his debut at the Teatro alla Scala. In 1992 he was named Music Director of the Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, which he helmed for five years; during that period, between 1994 and 1997, he was also active as Principal Guest Conductor at the Royal Opera House in London. He has had additional leadership positions with the Royal Philharmonic Orchestra (1996–2009), the Teatro Comunale di Bologna (1997–2007), Zurich Opera (2009–2012), and the Orchestre National de France (2008–2016). Gatti enjoys a close partnership with the Vienna Philharmonic and the Vienna Staatsoper, where he has presided over various new productions. In 2008 he made his Bayreuth Festival debut with Parsifal; at the Salzburg Festival he has conducted Strauss’s Elektra, Puccini’s La bohème, Wagner’s Die Meistersinger, and Verdi’s Il trovatore. In the spring of 2017 he returned to La Scala in Milan with Die Meistersinger. In the concert hall Gatti has collaborated with many leading orchestras, including the Berlin Philharmonic, the Filarmonica della Scala, the Bavarian Radio Symphony Orchestra, and the Mahler Chamber Orchestra, which named him its Artistic Advisor in 2016 and is currently working through a Beethoven cycle with him. His most recent CD release, in the fall of 2016, is of Berlioz’s Symphonie fantastique with the Royal Concertgebouw Orchestra. Daniele Gatti is a Grande Ufficiale al Merito of the Italian Republic; France named him a Chevalier des Arts et des Lettres and a Chevalier de la Légion d’Honneur. In 2005 and 2016 the Italian Critics’ Association awarded him the Premio Abbiati.

    LUCERNE FESTIVAL debut on 12 September 2005 with the Vienna Philharmonic in a program of works by Strauss, Mahler, and Wagner.

    May 2017

    Other dates

    Sol Gabetta

    The cellist Sol Gabetta, who was born in 1981 to French-Russian parents in Córdoba, Argentina, studied at the Escuela Superior de Música Reina Sofia in Madrid, with Ivan Monighetti at the Basel Academy of Music, and with David Geringas at the Hanns Eisler Academy of Music in Berlin. In 2004 she won the Credit Suisse Young Artist Award, which enabled Gabetta to make her debut with the Vienna Philharmonic at LUCERNE FESTIVAL. Ever since then she has partnered with such leading ensembles as the Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, the Orchestre National de France, the Bavarian Radio Symphony Orchestra, the Bolshoi Orchestra of Moscow, the Philadelphia Orchestra, the London Philharmonic, and the Philharmonia Orchestra. In 2014 Gabetta made her debut with the Berlin Philharmonic when she performed at the Baden-Baden Easter Festival under Sir Simon Rattle. In the 2015-16 season she appeared for the first time with the Los Angeles Philharmonic and the Houston Symphony Orchestra. She has additionally concertized with the Zurich Tonhalle Orchestra and the St. Petersburg Philharmonic and has undertaken tours with the Orchestre de Paris, the Ensemble Il Giardino Armo-
    nico, and the Rotterdam Philharmonic. Sol Gabetta is a
    passionate chamber musician as well. She runs her own festival, which is called “SOLsberg,” at the monastery church Olsberg in the Rhine Valley. In May and June 2016 the 11th edition of the festival took place; there she has performed with such colleagues as the violinist Patricia Kopatchinskaja, the violist Amihai Grosz, the clarinetist Sabine Meyer, and the pianist Bertrand Chamayou. Her recordings have won no fewer than four Echo Klassik awards. Since 2005 Sol Gabetta has been teaching at the Basel Academy of Music. She plays a cello built by Giovanni Battista Guadagnini in 1759.

    LUCERNE FESTIVAL debut on 29 August 2001 in a concert of works by Penderecki, Schubert, Vasks, and Tchaikovsky.

    August 2016

    Other dates

    «Männer und Frauen können noch viel voneinander lernen»
    Sol Gabetta über grosse Vorgängerinnen und Marketing-Fallen


    Frau Gabetta, schon im 18. und 19. Jahrhundert gab es einige berühmte Geigerinnen und Pianistinnen – aber als ich mir die Frage stellte, wer eigentlich die erste Cellistin von Weltrang war, bin ich doch etwas ins Stocken geraten. Wer fällt Ihnen da ein?

    Zum Beispiel die erste Frau von Pablo Casals, die portugiesische Cellistin Guilhermina Suggia, nach der noch heute ein Stradivari-Cello benannt ist. Das war eine unglaublich gute Musikerin, sie hat zusammen mit Casals Doppelkonzerte gespielt und blieb auch nach ihrer Trennung von ihm, die 1913 erfolgte, weiter als Solistin aktiv, bis weit in die 1940er Jahre hinein. Trotzdem ist sie heute fast in Vergessenheit geraten – vielleicht hat sein Nimbus ihren Ruhm einfach überstrahlt. Noch früher gab es Lise Cristiani, für die sogar Mendelssohn eine Romance sans paroles komponierte. Sie war wohl die erste professionelle Cello-Solistin und bereiste ganz Europa. Ja, sie trat selbst in entlegenen sibirischen Regionen auf, bis ihr früher Tod im Alter von nur 26 Jahren ihrer Karriere ein Ende setzte. Sie muss ein Phänomen gewesen sein: Am Anfang spielte sie ihr Instrument noch seitlich neben dem Körper, gewissermassen im Damensitz, weil es für eine Dame als unschicklich galt, das Cello zwischen die Beine zu nehmen …

    In der Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg hat Jacqueline du Pré das Bild von einer Cellistin geprägt wie keine zweite. Und oft hat man das Gefühl, dass jede neue junge Cellistin an ihr gemessen wird …
    Ja, das stimmt, und es gilt vor allem, wenn sie das Elgar-Konzert spielt. Auch Jacqueline du Pré war eine unglaubliche Musikerin: ein Energiebündel mit ganz ausserordentlichen Fähigkeiten und einer grossen Aura. Man hat ihr angemerkt, wie sehr sie es genossen hat, auf der Bühne zu sein – diese Magie erschliesst sich noch heute, wenn man ihre Filmaufnahmen ansieht. Aber man darf auch nicht vergessen, dass sie in besonderen Konstellationen berühmt wurde: also bei gemeinsamen Auftritten mit Itzhak Perlman, Pinchas Zukerman und Daniel Barenboim. Und ganz am Anfang stand zunächst einmal der Dirigent John Barbirolli, der sie überhaupt erst auf das Elgar-Konzert aufmerksam machte – fast keiner hatte das vorher gekannt. Dass Elgars Konzert heute diese Popularität geniesst, hat in erster Linie mit der Überzeugungskraft zu tun, mit der Jacqueline du Pré es spielte. Wie es mit ihr weitergegangen wäre, wenn sie nicht an Multipler Sklerose erkrankt wäre, das wissen wir allerdings nicht. Die traurige Tatsache, dass sie so früh und so tragisch gestorben ist, hat sicher noch zur Mythisierung beigetragen.

    Im Klavierrepertoire gibt es Werke, die viel häufiger von Männern als von Frauen gespielt werden, zum Beispiel die beiden Brahms-Konzerte, vielleicht wegen ihrer Weitgriffigkeit. Gibt es solche Geschlechterpräferenzen auch im Cello-Repertoire?
    Mittlerweile sind die Frauen doch fast schon wie Männer geworden. Im Moment spiele ich gerade wieder Schostakowitschs Zweites Cellokonzert: Wenn ich daran denke, dass ich nicht so gross bin und meine Arme eher dünn sind, dann scheint es fast unmöglich, dass ich dieses extrem kraftraubende Stück im Repertoire habe. Trotzdem funktioniert es sehr gut, denn bei der Interpretation geht es nicht allein um physische Kraft, sondern vor allem um mentale. Schostakowitschs Musik hat auch ganz fragile Seiten, denen wir ebenso gerecht werden müssen. Aber dieses Konzert oder auch Prokofjews Sinfonia concertante werden oft viel zu aggressiv gespielt: Es scheint, als wollten viele Mstislaw Rostropowitsch, für den die Werke komponiert wurden, in puncto Überwältigung noch toppen. Insofern muss man bei manchen vermeintlich «männlichen» Werken einfach umdenken und sich von Vorbildern lösen. Mit Kontrasten kann die Musik nur gewinnen.

    Gibt es denn Unterschiede im Spiel – in der Interpretation oder im Klangcharakter – zwischen Frauen und Männern?
    Meine Kolleginnen und ich spielen eigentlich alles, und manche haben sogar mehr Kraft als Männer. Umgekehrt gibt es Männer, die mit einer Raffinesse und Sensibilität zu Werke gehen, wie man sie eher von Frauen erwarten würde – denken Sie nur an Jean-Guihen Queyras. Wenn man ihn nur hört, würde man nicht sagen können, ob da ein Mann oder eine Frau spielt. Vielleicht haben Frauen ja die Fähigkeit, mehrere Aspekte gleichzeitig ins Visier zu nehmen, also das berühmte Multitasking, das uns gern attestiert wird. Das gilt übrigens auch für das ganze Drumherum, denn Musiker zu sein heisst auch, dass unendlich viel zu organisieren und zu planen ist. Jedenfalls fällt mir auf, dass Frauen viel seltener einen Burn-out haben als Männer. Umgekehrt können sich Männer oft besser auf eine bestimmte Sache fokussieren und ziehen ihr Ding unglaublich konzentriert durch, fast wie ein Panzer. Mit anderen Worten: Männer und Frauen können noch viel voneinander lernen.

    Werden Frauen eigentlich anders vermarktet? Die Klassik-Szene ist auch ein Geschäft geworden, und entsprechend wichtig sind die Marketingabteilungen …
    Ja, das ist so. Jeder Veranstalter muss wirtschaften. Also setzt man auf attraktive Künstler, die sich gut verkaufen, oder auf Programme, die bei den Besuchern bestens ankommen. Wer als Solist in der glücklichen Position ist, als Verkaufsgarant zu gelten, hat deshalb die Verantwortung, auch Werke zu platzieren, die sonst eher abgelehnt werden. Wenn ich nicht darauf dringen würde, bestimmte Kompositionen zu spielen, wären es die immer gleichen drei Werke, die ich aufführen müsste. Dieses Problem haben Männer wie Frauen gleichermassen. Natürlich setzen manche Marketingabteilungen bei Frauen stärker auf das verführerische Potential oder auf den menschlichen Aspekt. Deshalb sollte man eine klare Vorstellung davon haben, wie man sich darstellen will: Das gilt für Foto-Shootings wie auch für die Projekte, die man annimmt. Es sind zwei Leben, und nicht immer ist das, was man zu sein glaubt, identisch mit dem, wie man präsentiert wird. Oder anders gesagt: Das Marketing sollte ein Spiegel sein und kein Zerrspiegel. Immer nur «Nein» zu sagen, hat allerdings auch keinen Sinn, denn es gibt einfach sehr viele gute Künstler, und wer zu viel ablehnt, muss damit rechnen, irgendwann aus dem Geschäft zu sein.

    Wann haben Sie «Nein» gesagt?
    Sehr oft schon – ob es nun bestimmte Foto-Shootings waren, bei denen ich mich nicht wiedererkannt habe, oder ob es Plattenprojekte waren, mit denen ich mich nicht identifizieren konnte. Diese Lektion habe ich gelernt, als ich am Anfang meiner Karriere Opernarien in Cellotranskriptionen aufnehmen musste. Das Ganze wurde zwar ein Verkaufserfolg, aber für mich hat es künstlerisch nicht wirklich funktioniert. Seitdem weiss ich, dass ich Projekte nur durchführen kann, wenn ich tatsächlich dahinterstehe. Die schwierigste Situation für eine Künstlerin sind die ersten drei, vier Jahre. In dieser Zeit wird der Weg vorgezeichnet: Man wird etikettiert, bekommt ein Image verpasst. Da braucht es viel Glück, um gut durchzukommen und Freiheit zu erlangen. Ohne gute Agenten oder Vertrauenspersonen, die einen vor den Gefahren schützen, geht es nicht.

    Interview: Susanne Stähr

    Die gesamte Serie «Frauenfragen» können Sie im Festival-Blog nachlesen.

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    Broadcast date
    Radio SRF 2 Kultur | Live Broadcast at 7.30 pm.