Symphony Concert 15

Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam | Daniele Gatti | Sol Gabetta

Weber | Schumann | Bruckner

Mon, 29.08.19.30No. 16319

KKL Luzern, Concert Hall

Vergangenes Konzert


Please book a wheelchair ticket under t +41 (0) 41 226 44 80 (10 a.m. to 5 p.m.)

Summer Festival

12.08.-11.09. 2016

 

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    Symphony Concert 15

    Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam | Daniele Gatti | Sol Gabetta

    Daniele Gatti  conductor
    Carl Maria von Weber (1786–1826)
    Overture to the Romantic opera Oberon
    Robert Schumann (1810–1856)
    Concerto for violoncello and orchestra in A minor, Op. 129
    Anton Bruckner (1824–1896)
    Symphony No. 4 in E flat major, WAB 104 Romantic
    (version from 1878/80 in the Leopold Nowak edition)
    A Romantic opera and a Romantic symphony, both of which take their titles from the name of an era, frame this program. They point both to the concept and to the secret underlying this concert. “A song sleeps in all things, / Which dream on and on, / And the world begins to sing, / If only you find the magic word,” wrote the poet Joseph von Eichendorff. In Weber’s Oberon Overture and Bruckner’s Romantic Symphony, it is the horn whose call evokes this magical world. And Schumann’s late Cello Concerto, too, begins with a magic formula that awakens the song, the dreamy melody of the solo part. Here are insights into German Romanticism presented by an Italian maestro, an Argentine cellist, and a world-class orchestra from Amsterdam, which has internalized this music through the incomparable tradition of its lead conductors, from Willem Mengelberg through Bernard Haitink to Mariss Jansons.

    Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam

    The Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam (RCO) was founded in 1888 as the Concertgebouw Orkest to mark the dedication of Amsterdam’s concert hall; since its 100th birthday in 1988, its name has included the adjective “royal.” In the first five decades of its history, the RCO was decisively shaped by Willem Mengelberg, who established its great Mahler tradition. “Truly splendid, full of youthful freshness and enthusiasm,” was Richard Strauss’s assessment of the ensemble in 1897. Dozens of composers have ascended the RCO’s podium ever since: from Mahler, Debussy, Bartók, and Stravinsky through Berio, Nono, and Henze to – in recent years – George Benjamin, Oliver Knussen, Tan Dun, Thomas Adès, and Michel van der Aa. Internationally renowned conductors have also regularly performed in Amsterdam, from Pierre Monteux, Bruno Walter, and Otto Klemperer through Sir Georg Solti, George Szell, and Eugen Jochum to the podium stars of our own time. Eduard van Beinum was the first to helm the RCO as Music Director following the Second World War; his successors have included Bernard Haitink (1961–1988), Riccardo Chailly (1988–2004), Mariss Jansons (2004–2015), and Daniele Gatti (2016–2018). The RCO tours regularly and will give a series of concerts in the United States in February 2019. The Royal Concertgebouw Orchestra today comprises 120 members from 25 nations. By the end of 2018, as part of the “RCO Meets Europe” project, it will have traveled to all 28 countries of the European Union in order to reaffirm the idea of international understanding and the unity of the Continent. Some 1,100 recordings on LP, CD, and DVD, which since 2004 have been released on the Orchestra’s in-house “RCO live” label, document the RCO’s artistic achievements. The Royal Concertgebouw Orchestra is generously supported by ING Group and Unilever.

    LUCERNE FESTIVAL (IMF) debut on 3 September 1972 in a program of music by Stravinsky and Bruckner’s Seventh Symphony under Bernard Haitink.

    Further information: www.concertgebouw.nl

    August 2018

    Other dates

    Daniele Gatti

    Daniele Gatti began his tenure as Music Director of the Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam in 2016. Born in 1961 in Milan, he studied piano, violin, composition, and conducting at the Verdi Conservatory there and was 27 when he made his debut at the Teatro alla Scala. In 1992 he was named Music Director of the Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, which he helmed for five years; during that period, between 1994 and 1997, he was also active as Principal Guest Conductor at the Royal Opera House in London. He has held additional leadership positions with the Royal Philharmonic Orchestra (1996–2009), the Teatro Comunale di Bologna (1997–2007), Zurich Opera (2009–2012), and the Orchestre National de France (2008–2016). For many years, Gatti has enjoyed a close partnership with the Vienna Philharmonic and the Vienna Staatsoper, where he has presided over various new productions. In 2008 he made his Bayreuth Festival debut with Parsifal; at the Salzburg Festival he has conducted Strauss’s Elektra, Puccini’s La bohème, Wagner’s Die Meistersinger, and Verdi’s Il trovatore. In 2019 he will lead the Berlin Philharmonic in Verdi’s Otello at the Baden-Baden Easter Festival. In the concert hall, Gatti has collaborated with many leading orchestras in addition to those previously named, including the Filarmonica della Scala, the Bavarian Radio Symphony Orchestra, and the Mahler Chamber Orchestra, which appointed him to be its Artistic Advisor in 2016. His most recent CD release, which appeared in June 2018, is of Mahler’s Fourth Symphony with the Royal Concertgebouw Orchestra. Daniele Gatti is a Grande Ufficiale al Merito of the Italian Republic; France has named him a Chevalier des Arts et des Lettres and a Chevalier de la Légion d’Honneur. In 2005 and 2016 the Italian Critics’ Association awarded him the Premio Abbiati. He teaches at the Accademia Musicale Chigiana.

    LUCERNE FESTIVAL debut on 12 September 2005 with the Vienna Philharmonic in a program of works by Strauss, Mahler, and Wagner.

    July 2018

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    Sol Gabetta

    Sol Gabetta is “artiste étoile” of the 2018 Summer Festival, where she is performing in three symphony concerts with the Mahler Chamber Orchestra, the Vienna Philharmonic Orchestra, and the London Philharmonic Orchestra, as well as two chamber concerts. The international career of this cellist, who was born in 1981 in Córdoba, Argentina, to French-Russian parents and who completed her studies with Ivan Monighetti in Basel and David Geringas in Berlin, is closely linked to LUCERNE FESTIVAL. As the winner of the Credit Suisse Young Artist Award, she made her debut with the Vienna Philharmonic in 2004. Since then she has worked with such ensembles as the Orchestre national de France and the Orchestre de Paris, the Bavarian Radio Symphony Orchestra, the Los Angeles and London Philharmonics, the Philadelphia Orchestra, the Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam, and the Philharmonia Orchestra. Sol Gabetta made her debut with the Berlin Philharmonic in 2014 when she appeared under the baton of Sir Simon Rattle at the Baden-Baden Easter Festival. In spring 2018, she concertized with the Saxon Staatskapelle under Christian Thielemann at the Salzburg Easter Festival, where she also received the Karajan Music Prize. Shortly after, she performed the Schumann Concerto with the Los Angeles Philharmonic and Gustavo Dudamel. Sol Gabetta is a passionate chamber musician and has been producing her own festival, “SOLsberg,” at the abbey church in Olsberg since 2006; in 2018, together with her long-time duo partner Bertrand Chamayou, she performed at Carnegie Hall in New York, the Théâtre des Champs-Elysées in Paris, and the Philharmonie Luxembourg. She has received the Echo Klassik no fewer than four times for her recordings. Sol Gabetta plays a cello built by Matteo Goffriller in 1730 in Venice, made available by Atelier Cels Paris.

    LUCERNE FESTIVAL debut on 29 August 2001 in a concert of works by Penderecki, Schubert, Vasks, and Tchaikovsky.

    July 2018

    Other dates

    «Männer und Frauen können noch viel voneinander lernen»
    Sol Gabetta über grosse Vorgängerinnen und Marketing-Fallen


    Frau Gabetta, schon im 18. und 19. Jahrhundert gab es einige berühmte Geigerinnen und Pianistinnen – aber als ich mir die Frage stellte, wer eigentlich die erste Cellistin von Weltrang war, bin ich doch etwas ins Stocken geraten. Wer fällt Ihnen da ein?

    Zum Beispiel die erste Frau von Pablo Casals, die portugiesische Cellistin Guilhermina Suggia, nach der noch heute ein Stradivari-Cello benannt ist. Das war eine unglaublich gute Musikerin, sie hat zusammen mit Casals Doppelkonzerte gespielt und blieb auch nach ihrer Trennung von ihm, die 1913 erfolgte, weiter als Solistin aktiv, bis weit in die 1940er Jahre hinein. Trotzdem ist sie heute fast in Vergessenheit geraten – vielleicht hat sein Nimbus ihren Ruhm einfach überstrahlt. Noch früher gab es Lise Cristiani, für die sogar Mendelssohn eine Romance sans paroles komponierte. Sie war wohl die erste professionelle Cello-Solistin und bereiste ganz Europa. Ja, sie trat selbst in entlegenen sibirischen Regionen auf, bis ihr früher Tod im Alter von nur 26 Jahren ihrer Karriere ein Ende setzte. Sie muss ein Phänomen gewesen sein: Am Anfang spielte sie ihr Instrument noch seitlich neben dem Körper, gewissermassen im Damensitz, weil es für eine Dame als unschicklich galt, das Cello zwischen die Beine zu nehmen …

    In der Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg hat Jacqueline du Pré das Bild von einer Cellistin geprägt wie keine zweite. Und oft hat man das Gefühl, dass jede neue junge Cellistin an ihr gemessen wird …
    Ja, das stimmt, und es gilt vor allem, wenn sie das Elgar-Konzert spielt. Auch Jacqueline du Pré war eine unglaubliche Musikerin: ein Energiebündel mit ganz ausserordentlichen Fähigkeiten und einer grossen Aura. Man hat ihr angemerkt, wie sehr sie es genossen hat, auf der Bühne zu sein – diese Magie erschliesst sich noch heute, wenn man ihre Filmaufnahmen ansieht. Aber man darf auch nicht vergessen, dass sie in besonderen Konstellationen berühmt wurde: also bei gemeinsamen Auftritten mit Itzhak Perlman, Pinchas Zukerman und Daniel Barenboim. Und ganz am Anfang stand zunächst einmal der Dirigent John Barbirolli, der sie überhaupt erst auf das Elgar-Konzert aufmerksam machte – fast keiner hatte das vorher gekannt. Dass Elgars Konzert heute diese Popularität geniesst, hat in erster Linie mit der Überzeugungskraft zu tun, mit der Jacqueline du Pré es spielte. Wie es mit ihr weitergegangen wäre, wenn sie nicht an Multipler Sklerose erkrankt wäre, das wissen wir allerdings nicht. Die traurige Tatsache, dass sie so früh und so tragisch gestorben ist, hat sicher noch zur Mythisierung beigetragen.

    Im Klavierrepertoire gibt es Werke, die viel häufiger von Männern als von Frauen gespielt werden, zum Beispiel die beiden Brahms-Konzerte, vielleicht wegen ihrer Weitgriffigkeit. Gibt es solche Geschlechterpräferenzen auch im Cello-Repertoire?
    Mittlerweile sind die Frauen doch fast schon wie Männer geworden. Im Moment spiele ich gerade wieder Schostakowitschs Zweites Cellokonzert: Wenn ich daran denke, dass ich nicht so gross bin und meine Arme eher dünn sind, dann scheint es fast unmöglich, dass ich dieses extrem kraftraubende Stück im Repertoire habe. Trotzdem funktioniert es sehr gut, denn bei der Interpretation geht es nicht allein um physische Kraft, sondern vor allem um mentale. Schostakowitschs Musik hat auch ganz fragile Seiten, denen wir ebenso gerecht werden müssen. Aber dieses Konzert oder auch Prokofjews Sinfonia concertante werden oft viel zu aggressiv gespielt: Es scheint, als wollten viele Mstislaw Rostropowitsch, für den die Werke komponiert wurden, in puncto Überwältigung noch toppen. Insofern muss man bei manchen vermeintlich «männlichen» Werken einfach umdenken und sich von Vorbildern lösen. Mit Kontrasten kann die Musik nur gewinnen.

    Gibt es denn Unterschiede im Spiel – in der Interpretation oder im Klangcharakter – zwischen Frauen und Männern?
    Meine Kolleginnen und ich spielen eigentlich alles, und manche haben sogar mehr Kraft als Männer. Umgekehrt gibt es Männer, die mit einer Raffinesse und Sensibilität zu Werke gehen, wie man sie eher von Frauen erwarten würde – denken Sie nur an Jean-Guihen Queyras. Wenn man ihn nur hört, würde man nicht sagen können, ob da ein Mann oder eine Frau spielt. Vielleicht haben Frauen ja die Fähigkeit, mehrere Aspekte gleichzeitig ins Visier zu nehmen, also das berühmte Multitasking, das uns gern attestiert wird. Das gilt übrigens auch für das ganze Drumherum, denn Musiker zu sein heisst auch, dass unendlich viel zu organisieren und zu planen ist. Jedenfalls fällt mir auf, dass Frauen viel seltener einen Burn-out haben als Männer. Umgekehrt können sich Männer oft besser auf eine bestimmte Sache fokussieren und ziehen ihr Ding unglaublich konzentriert durch, fast wie ein Panzer. Mit anderen Worten: Männer und Frauen können noch viel voneinander lernen.

    Werden Frauen eigentlich anders vermarktet? Die Klassik-Szene ist auch ein Geschäft geworden, und entsprechend wichtig sind die Marketingabteilungen …
    Ja, das ist so. Jeder Veranstalter muss wirtschaften. Also setzt man auf attraktive Künstler, die sich gut verkaufen, oder auf Programme, die bei den Besuchern bestens ankommen. Wer als Solist in der glücklichen Position ist, als Verkaufsgarant zu gelten, hat deshalb die Verantwortung, auch Werke zu platzieren, die sonst eher abgelehnt werden. Wenn ich nicht darauf dringen würde, bestimmte Kompositionen zu spielen, wären es die immer gleichen drei Werke, die ich aufführen müsste. Dieses Problem haben Männer wie Frauen gleichermassen. Natürlich setzen manche Marketingabteilungen bei Frauen stärker auf das verführerische Potential oder auf den menschlichen Aspekt. Deshalb sollte man eine klare Vorstellung davon haben, wie man sich darstellen will: Das gilt für Foto-Shootings wie auch für die Projekte, die man annimmt. Es sind zwei Leben, und nicht immer ist das, was man zu sein glaubt, identisch mit dem, wie man präsentiert wird. Oder anders gesagt: Das Marketing sollte ein Spiegel sein und kein Zerrspiegel. Immer nur «Nein» zu sagen, hat allerdings auch keinen Sinn, denn es gibt einfach sehr viele gute Künstler, und wer zu viel ablehnt, muss damit rechnen, irgendwann aus dem Geschäft zu sein.

    Wann haben Sie «Nein» gesagt?
    Sehr oft schon – ob es nun bestimmte Foto-Shootings waren, bei denen ich mich nicht wiedererkannt habe, oder ob es Plattenprojekte waren, mit denen ich mich nicht identifizieren konnte. Diese Lektion habe ich gelernt, als ich am Anfang meiner Karriere Opernarien in Cellotranskriptionen aufnehmen musste. Das Ganze wurde zwar ein Verkaufserfolg, aber für mich hat es künstlerisch nicht wirklich funktioniert. Seitdem weiss ich, dass ich Projekte nur durchführen kann, wenn ich tatsächlich dahinterstehe. Die schwierigste Situation für eine Künstlerin sind die ersten drei, vier Jahre. In dieser Zeit wird der Weg vorgezeichnet: Man wird etikettiert, bekommt ein Image verpasst. Da braucht es viel Glück, um gut durchzukommen und Freiheit zu erlangen. Ohne gute Agenten oder Vertrauenspersonen, die einen vor den Gefahren schützen, geht es nicht.

    Interview: Susanne Stähr

    Die gesamte Serie «Frauenfragen» können Sie im Festival-Blog nachlesen.

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    Broadcast date
    Radio SRF 2 Kultur | Live Broadcast at 7.30 pm.