Symphony Concert 21

Orchestra of the LUCERNE FESTIVAL ACADEMY | Alan Gilbert | Anne-Sophie Mutter

Moret | Berg | Schoenberg

Sun, 16324

KKL Luzern, Concert Hall

Vergangenes Konzert

Please book a wheelchair ticket under t +41 (0) 41 226 44 80 (10 a.m. to 5 p.m.)

Summer Festival

12.08.-11.09. 2016







    KKL Luzern, Concert Hall

    Symphony Concert 21

    Orchestra of the LUCERNE FESTIVAL ACADEMY | Alan Gilbert | Anne-Sophie Mutter

    Alan Gilbert  conductor
    Norbert Moret (1921–1998)
    En rêve for Violin and Chamber Orchestra
    Alban Berg (1885–1935)
    Violin Concerto To the memory of an angel  
    Arnold Schoenberg (1874–1951)
    Pelleas und Melisande, Op. 5
    VIPs in the house: for their concluding concert the Academy students in Lucerne will join with star violinist Anne-Sophie Mutter and Alan Gilbert, the Music Director of the New York Philharmonic. Together they will look back at the beginnings of modernism – or, more precisely, at the background it emerged from. In 1902-03, when Arnold Schoenberg was inspired by Maurice Maeterlinck’s mystical drama of adultery, Pélleas et Mélisande, to write a symphonic poem, he was still operating within the musical language of late Romanticism and was far from being a radical innovator and enfant terrible. Tellingly, it was Richard Strauss who suggested the material to him. Alban Berg’s moving Violin Concerto, which was written some 30 years later, uses the 12-tone technique Schoenberg had later developed but converts it into a highly expressive lament for the daughter of Alma Mahler and Walter Gropius, who died at an early age. The violin’s singing qualities are likewise the focus of Norbert Moret’s En rêve, composed in 1988 for Anne-Sophie Mutter. “A great albeit short work, colorfully and subtly written,” says its dedicatee.


    In 2003 the composer and conductor Pierre Boulez, together with Michael Haefliger, the Festival’s Executive and Artistic Director, founded the LUCERNE FESTIVAL ACADEMY: a training institution that is unique around the world in its focus on music of the 20th and 21st centuries. Every summer since then, some 130 young, highly talented musicians from all around the world are given the opportunity to study contemporary scores and modernist classics in detail through daily rehearsals, workshops, and lessons, which they then present in performance. Over the last 13 years more than 1,000 alumni have attended the Academy, many of whom have even spent several summers there. Since 2016 the German composer Wolfgang Rihm has taken over the artistic directorship; Matthias Pintscher offers support as Principal Conductor. Members of the Paris-based Ensemble intercontemporain, who work as instrumental coaches, also contribute to the work of the Academy. Under its new leadership the Academy has expanded its offerings to include a Composer Seminar for the first time in 2016, which is intended to provide enduring inspiration for creative work and to link it more closely to performance praxis. The master class in conducting, which this year is being led by Alan Gilbert, is likewise being expanded into a Conducting Fellowship in which the fellows will follow the work of the Academy over three weeks. The Orchestra of the LUCERNE FESTIVAL ACADEMY, which comprises all of the instrumental players, will perform three concerts under Matthias Pintscher, Alan Gilbert, Konstantia Gourzi, and Susanna Mälkki, respectively, and will also take part in Elim Chan’s conductor debut. Various ensembles will additionally play works by composer-in-residence Olga Neuwirth, perform with the jazz musician Maria Schneider, collaborate with participants in the Composer Seminar, and take the stage during the 40min series.

    August 2016

    Other dates

    Alan Gilbert

    Alan Gilbert who was born in 1967, comes from a musical family: Both of his parents were violinists with the New York Philharmonic. While he was still a student at Harvard University, Gilbert was named director of the Harvard Bach Society. He continued his studies at the New England Conservatory of Music, the Curtis Institute in Philadelphia, and the Juilliard School in New York. In 1994 Gilbert took first prize at the Concours de Genève and also won the Georg Solti Prize. He assumed his first leadership position in 2000 with the Royal Stockholm Philharmonic, which he helmed until 2008 and where he remains Honorary Conductor. He also served from 2003 to 2006 as Music Director of Santa Fe Opera. In 2009 Gilbert began his tenure heading the New York Philharmonic. He is the first native New Yorker to have held this position. Through such initiatives as the CONTACT! series, an annual composer residency, and the NY PHIL BIENNIAL, he has enhanced the Philharmonic’s focus on contemporary music. Gilbert made his Metropolitan Opera debut in 2008 conducting John Adams’s Doctor Atomic, and in 2015 he led the first American performance of George Benjamin’s Written on Skin at Lincoln Center. Gilbert has conducted such acclaimed ensembles as the Boston Symphony Orchestra, the Philadelphia and Cleveland Orchestras, the Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam, the Berlin Philharmonic, and the Leipzig Gewandhaus Orchestra; in the 2015-16 season he performed his first engagements at La Scala in Milan, the Staatskapelle Dresden, and the London Symphony Orchestra. Alan Gilbert has won two Grammy Awards and has been a member of the American Academy of Arts and Sciences since 2014. He is Director of Conducting and Orchestral Studies at the Juilliard School.

    LUCERNE FESTIVAL on 7 and 8 September 2014, when he led the Leipzig Gewandhaus Orchestra in a pair of concerts, conducting Beethoven’s Ninth Symphony and Mahler’s Third.

    August 2016

    Other dates

    Anne-Sophie Mutter

    Anne-Sophie Mutter, who was born in Rheinfelden, Germany, this year celebrates her 40th anniversary at LUCERNE FESTIVAL. In 1976, at the age of 13, she began her career as part of the “Young Artists“ series; one year later she performed as a soloist at the Salzburg Whitsun Festival under Herbert von Karajan. Ever since then she has concertized around the world in all the leading music centers, frequently introducing new works alongside the classical canon. She has given the world premieres of a total of 24 scores, including compositions by Currier, Dutilleux, Gubaidulina, Lutosławski, Penderecki, Previn, and Rihm. She has channeled her popularity into charity projects and support for a new generation of talented musicians. For this purpose she established the Friends of the “Anne-
    Sophie Mutter Foundation” in 1997 and, in 2008, the eponymous foundation. She appears with “Mutter’s Virtuosi,” an ensemble of her scholarship students, all over the world: in the spring of 2016, they undertook a European tour. Other highlights of the past season include her appearance at the New Year’s Eve concert given by the Berlin Philharmonic, as well as concerts with the Vienna Philharmonic; the Sächsische Staatskapelle Dresden; the Bavarian Radio Symphony Orchestra; and the London,
    Pittsburgh, and Sydney Symphony Orchestras. Among the numerous distinctions that Anne-Sophie Mutter has received are the Ernst von Siemens Music Prize and the Leipzig Mendelssohn Prize. She has won four Grammy Awards and nine Echo Klassik Awards. Mutter holds the Grand Order of Merit of the German Federal Republic, the French Order of the Legion of Honor, the Bavarian Order of Merit, and the Great Austrian Order of Merit. She was named an Honorary Member of the American Academy of Arts and Sciences in 2013 and, in 2015, an Honorary Fellow of Keble College at Oxford University.

    LUCERNE FESTIVAL (IMF) debut on 23 August 1976 as part of the “Young Artists” series in a program of works by de Falla, Paganini, and Sarasate, with Christoph Mutter at the piano.

    August 2016

    Other dates

    «Ewige Jugend – wozu?»
    Anne-Sophie Mutter über Kunst, Kommerz und das Geheimnis der langen Karriere

    Anne-Sophie Mutter, bei Ihrem Jubiläumsrezital in Luzern spielen Sie Mozarts B-Dur-Sonate KV 454, die er für die italienische Geigerin Regina Strinasacchi komponiert hat. Als Mozarts Vater Leopold diese Virtuosin hörte, sagte er: «Überhaupt finde ich, dass ein Frauenzimmer, die Talent hat, mit mehr Ausdruck spielt als eine Mannsperson». Wie gefällt Ihnen diese Aussage?

    Ich glaube nicht, dass es in puncto Ausdruck geschlechterspezifische Unterschiede gibt, aber Regina Strinasacchi muss schon eine ausserordentliche Erscheinung gewesen sein, und das zu einer Zeit, als es sich für Frauen gar nicht schickte, Geige zu spielen. Frauen mussten damals zum Beispiel noch den Bogenarm fest an den Körper anlegen, damit nichts Verfängliches zu sehen war. Unter diesen schwierigen Voraussetzungen ist es umso erstaunlicher, dass sie trotzdem ein so ausdrucksvolles Spiel pflegen konnte. Und da LUCERNE FESTIVAL 2016 unter dem femininen Leitgedanken steht, war es mir wichtig, diese Frau, die schon früh zu grosser Popularität gelangte und einen so wunderbaren Komponisten wie Mozart inspirierte, in mein Programm einzubeziehen. Zumal die B-Dur-Sonate immer eine meiner Lieblingssonaten war: Im zweiten Satz erfolgt der Dialog zwischen beiden Instrumenten wirklich auf Augenhöhe, die Violine wird erstmals in der Musikgeschichte zum gleichberechtigten Partner des Klaviers. Damit öffnete Mozart Tür und Tor für Beethoven.

    Sie selbst wurden in Ihrer Ausbildung von zwei Frauen geprägt, von Erna Honigberger und von Aida Stucki. Wie bedeutend waren diese Lehrerinnen für Sie? Oder waren männliche Vorbilder wichtiger?
    Ich habe nie darüber nachgedacht, ob meine Vorbilder männlich oder weiblich waren. Richtig ist: Meine beiden Lehrerinnen waren Frauen, und besonders Aida Stucki, die ich schon kennenlernen durfte, als ich noch nicht einmal zehn Jahre alt war, hatte natürlich einen prägenden Einfluss, auch in der Art und Weise, wie sie mit ihrer Karriere und ihrem Kind umging – damals waren berufstätige Mütter noch die grosse Ausnahme. Sie hat sich, wie es in ihrer Generation üblich war, am Ende doch für das eine entschieden, nämlich für die Familie; nebenher hat sie allerdings leidenschaftlich gelehrt. Das ist nicht minder zeitraubend, doch bot es ihr den Vorteil, dass sie nicht durch ständige Reisen von der Familie getrennt war. Aida Stucki ist für mich der Archetyp einer Frau, die auf wunderbare Weise alles miteinander zu verbinden verstand. Sie war eine begnadete Pädagogin, die sowohl aus bescheideneren Talenten als auch aus weiterentwickelten Geigern ganz Individuelles herauszubilden wusste. Sie war aber auch eine wunderbar weibliche Frau, eine attraktive, schöne Person, die mit ihrem sehr viel älteren Mann auf diplomatisch geschickte Weise umging und dabei ihren eigenen Lebensstil verwirklichte. Ganz abgesehen davon, dass sie eine hervorragende Geigerin war.

    Seit vierzig Jahren, seit Ihrem Luzerner Festspieldebut im Jahr 1976, stehen Sie auf den Bühnen der Welt. Über diese lange Zeit eine Top-Position in der absoluten Weltspitze zu bewahren, ist eine erstaunliche Leistung. Welche Qualitäten, neben den künstlerischen, muss man mitbringen, um eine solche Nachhaltigkeit zu erreichen?
    Wer sich für den Musikerberuf entscheidet, dem geht es erst einmal darum, tief in die Musik einzutauchen, und nicht darum, irgendeine Stellung zu erlangen. Für mich war es immer wichtig, Neues entdecken zu können. Ich komme gerade von einem Konzert mit dem Stuttgarter Kammerorchester zurück, mit dem ich auch schon seit vielen Jahrzehnten auftrete. Diesmal habe ich dort drei Mozart-Konzerte gespielt und geleitet, darunter auch das «kleine» D-Dur-Konzert, das ich schon als Neunjährige, bei meinem allerersten Auftritt mit Orchester, aufgeführt hatte. Aber trotzdem finde ich darin noch immer so viel Neues! Man braucht einfach die Leidenschaft fürs Detail und ein gesundes Quäntchen Unzufriedenheit. Denn es gibt immer noch andere Blickwinkel auf das scheinbar Bekannte, und die Blickwinkel verändern sich im Laufe eines Lebens ganz automatisch mit den Erfahrungen – dabei geht es nicht um «reifer» oder «besser», sondern um einen anderen Zugang. Genau dieser Mechanismus hat übrigens die Musikgeschichte über die Jahrhunderte hinweg lebendig erhalten.

    Ist es für Frauen schwerer, eine so lange Karriere zu erreichen? Oder wird da mehr Wert auf Aspekte wie die «ewige Jugend», die Makellosigkeit und die Perfektion gelegt?
    Nein. Ewige Jugend – wozu? Alter – wozu? Es ist doch besser, man wird älter und stirbt nicht so früh. Natürlich ist es wunderbar, jung zu sein, aber jede Zeit hat ihre Stärken und Schwächen, jeder Lebensabschnitt stellt einen vor neue grosse Herausforderungen. Und mit zunehmender Erfahrung wird manches erträglicher. Man weiss dann, dass man auch das aktuelle Drama irgendwie überstehen und sich im Rückblick alles relativieren wird. Wenn man sehr jung ist, dann verschwendet man viel mehr Energie auf Dinge, die nicht so wichtig sind.

    Und diese Situation ist für Männer und Frauen dieselbe?
    Ich war nie ein Mann und kann es deshalb auch nicht beantworten.

    Mit Ihrer Anne-Sophie Mutter Stiftung stehen Sie in enger Tuchfühlung mit der nachfolgenden Virtuosengeneration. Wie beurteilen Sie die Lage: Gibt es inzwischen mehr hochbegabte Geigerinnen als Geiger?
    Ich glaube, dass Frauen gegenwärtig sowohl in der Musikwelt als auch in anderen Berufen stärker Fuss fassen. Trotzdem sind wir von einer Gleichberechtigung noch meilenweit entfernt, und das gilt sowohl für die Geschlechterfrage als auch für das Verhältnis zwischen verschiedenen ethnischen oder kulturellen Gruppen. Es hat sich in den letzten Jahren einiges getan, und ich bin sicher, dass die Kunst einer der Bereiche ist, in denen es wirklich einmal gleichberechtigt zugehen kann. Wir haben derzeit eine echte Flut von fantastisch präparierten Musikerinnen, ob an der Geige oder am Klavier. Frauen trauen sich heute einfach mehr zu, auch in einem so vagabundenartigen Beruf wie unserem.

    Nur am Pult sind wir weit von Gleichberechtigung entfernt …
    Ja, da ist noch viel aufzuholen. Es ärgert mich, dass ich das nicht auch noch in Angriff genommen habe. Vielleicht gibt’s ja eine Reinkarnation, und ich komme nochmal als Dirigentin zur Welt.

    Wenn Sie den jungen Virtuosinnen einen Ratschlag mit auf den Weg geben wollten, vor welchen Gefahren sie sich hüten sollten – was würden Sie sagen?
    Mit solchen Ratschlägen kann man nie ins Zentrum der Wahrheit treffen, weil jeder Mensch andere charakterliche Strukturen besitzt und somit auch anderen Gefahren ausgesetzt ist. Die Kassandrarufe sind allerdings dieselben wie bei mir vor vierzig Jahren: Kunst und Kommerz kann man nicht wirklich verbinden, das geht nicht Hand in Hand. Und es stimmt ja auch. Ich bin der Meinung, dass ein Künstler keine Werbefigur sein sollte. Mein Verständnis ist vielmehr, dass wir Musiker dem Werk dienen sollten – es muss ja nicht brotlos sein. Der Künstler sollte ein Fürsprecher und Advokat des Komponisten sein, und er sollte das Vertrauen, das er beim Publikum geniesst, auch dafür einsetzen, neue Werke aufzuführen, um die Konzertbesucher auf diese Weise mit auf eine Entdeckungsreise zu nehmen. Es ist natürlich der schnelle Ruhm, der heutzutage noch stärker lockt als früher. Aber die jungen Musiker befinden sich oft auch in einer Zwangslage: Friss oder stirb! Entweder du unterschreibst jetzt den Vertrag bei Agentur X oder Plattenlabel Y, oder sie nehmen irgendeinen anderen jungen, gutaussehenden (und hoffentlich auch gut spielenden) Musiker. Die Konkurrenz ist grösser geworden, das Qualitätsverständnis bei Agenturen und Labels aber nicht unbedingt. Die alte Generation hat noch ein anderes Ethos gehabt, ein Gefühl dafür, dass sich ein Musikerleben über vier, fünf Jahrzehnte hinweg entwickelt oder dass sich das Repertoire erst behutsam aufbauen muss. Junge Künstler sind doch nicht irgendein Produkt, das man auf den Markt wirft. Da sollte es wirklich nicht zugehen wie bei «Deutschland sucht den Superstar». Leider greift dieses Denken auch in der klassischen Musik um sich, das ist eine grosse Gefahr. Selbst wenn jemand eigentlich nicht mitmachen will, bleibt oft nichts anderes übrig, als mit den Wölfen zu heulen. Es braucht Mut zum Nein, und das bedeutet, dass es entweder länger dauert, bis es mit der Karriere klappt. Oder dass eine andere, die hübsch im Kleid daherhüpft, eher zum Ziel kommt, selbst wenn sie musikalisch vielleicht nicht so gut ist.

    Ein Jubiläum wie Ihr 40. Luzerner Festspieljubiläum ist immer auch Gelegenheit, zurückzublicken und Bilanz zu ziehen. Gibt es eine Interpretation oder einen bestimmten Moment in Ihrer Karriere, worauf Sie besonders stolz sind?
    Oh Gott! Jede Uraufführung war für mich etwas Wunderbares, weil ich da am schöpferischen Prozess teilhaben und den Grundstein für die Interpretation legen durfte. Diese Chance hat man bei historischen Werken natürlich nicht, weil man zunächst einmal mit einer riesigen Aufführungstradition konfrontiert wird. Aber stolz? Ich bin einfach nur dankbar, dass mir zum Beispiel ein so bedeutendes zeitgenössisches Werk wie Sofia Gubaidulinas In tempus praesens gewidmet ist, das 2007 hier in Luzern erstmals erklang. Das war dann wirklich ein grosser Moment.

    Interview: Susanne Stähr

    Die gesamte Serie «Frauenfragen» können Sie im Festival-Blog nachlesen.