Symphony Concert 20

Chamber Orchestra of Europe | Bernard Haitink | Isabelle Faust


Sun, 16304

KKL Luzern, Concert Hall

Vergangenes Konzert

Bring Young Listeners to a Concert for Free

Please book a wheelchair ticket under t +41 (0) 41 226 44 80 (10 a.m. to 5 p.m.)

Summer Festival

12.08.-11.09. 2016



    Bernard Haitink  conductor
    Bernard Haitink’s 50th Anniversary in Lucerne
    Antonín Dvořák (1841–1904)
    The Wood Dove, Op. 110
    Violin Concerto in A minor, Op. 53
    Symphony No. 7 in D minor, Op. 70

    “Her sound has passion, grit, and electricity,” wrote the New York Times about the German violinist Isabelle Faust. Whoever heard any of her six performances as “artiste étoile" during the past Summer Festival in Lucerne will find themselves in agreement with this verdict. Since 2009 the Württemberg native has been a regular guest at LUCERNE FESTIVAL, enthralling audiences with works by composers from Biber to Kurtág. Versatility, seriousness, and exquisite artistry are hallmarks of this “Primadonna” who has no airs. This time she devotes herself to Dvořák’s stirring Violin Concerto – a work heard far too seldom in the concert hall. And in Bernard Haitink, one of her favorite conducting partners, Faust has a like-minded artist when it comes to Dvořák. His late tone poem The Wild Dove and his feverish, dramatically heated Seventh Symphony provide the Dutch maestro all that is needed to make a powerful case for the Czech Romantic.

    Special Offer: Bring Young Listeners to a Concert for Free
    What could be lovelier than introducing young listeners to the enchanting world of classical music? When you buy a ticket for this concert, you will receive a free ticket allowing you to share the concert with a young guest. This offer is for children and youths up to and including 17 years of age – as long as tickets last. You may order your concert tickets by calling +41(0)41 226 44 80. We are available from Monday to Friday between 10 a.m. and 5 p.m.

    Chamber Orchestra of Europe

    The Chamber Orchestra of Europe (COE) was founded in 1981 by a group of young musicians who became acquainted as part of the European Union Youth Orchestra. There are now about 60 members of the COE, who pursue parallel careers as principals and section leaders at nationallybased orchestras, as, eminent chamber musicians, and as tutors of music. From the start, the COE’s identity was shaped by its partnerships with leading conductors and soloists. It was Claudio Abbado above all who served as an important mentor in the early years. He led the COE in such stage works as Rossini’s Il viaggio a Reims and Il barbiere di Siviglia and Mozart’s Figaro and Don Giovanni and conducted numerous concerts featuring works by Schubert and Brahms in particular. Nikolaus Harnoncourt also had a major influence on the development of the COE through his performances and recordings of all of the Beethoven symphonies, as well as through opera productions at the Salzburg, Vienna, and styriarte festivals. Currently the orchestra works closely with Yannick Nézet-Séguin, Sir András Schiff, and especially Bernard Haitink, with whom it has been appearing at LUCERNE FESTIVAL each year since 2007. It also enjoys close partnerships with the violinists Lisa Batiashvili and Janine Jansen and their colleague Leonidas Kavakos; the pianist Pierre-Laurent Aimard; and the conductors Vladimir Jurowski, Sir Antonio Pappano, and Robin Ticciati. The COE performed Mozart’s The Magic Flute under Yannick Nézet-Seguin in July 2018 in Baden-Baden. With more than 250 works in its discography, the COE’s CDs have won over 60 international prizes, including the Grammy Award, Gramophone’s Record of the Year Award, and MIDEM’s Classical Download Award. Their most recent releases, which appeared in the first half of 2018, include Visions of Prokofiev and Mozart’s La clemenza di Tito, both conducted by Yannick Nézet-Séguin.

    LUCERNE FESTIVAL (IMF) debut on 21 August 1986 in a program of works by Prokofiev, Mendelssohn, and Brahms under Claudio Abbado.

    For further information on this ensemble, visit their homepage at:

    July 2018

    Other dates

    Bernard Haitink

    Bernard Haitink was born in 1929 in Amsterdam. Trained as a violinist, he appeared on the podium for the first time in 1954 to conduct the Netherlands Radio Symphony Orchestra. In 1956 he made his debut with the Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam, which in 1961 appointed him Music Director. For 27 years he had full responsibility there, and he is currently Honorary Conductor of the orchestra, with which he most recently (in June 2018) performed Mahler’s Ninth Symphony. Haitink has also held leadership positions with the London Philharmonic Orchestra (1967–79), the Glyndebourne Festival (1977–88), the Royal Opera House in London (1987–2002), and the Staatskapelle Dresden (2002–04) and has served as Principal Conductor of the Chicago Symphony Orchestra (2006–10). As a guest conductor, Haitink regularly conducts the Berlin and Vienna Philharmonics, the Boston Symphony Orchestra, and the Bavarian Radio Symphony Orchestra. In the 2017-18 season, he additionally worked with the London Symphony, the Zurich Tonhalle Orchestra, and the Orchestra Mozart. Music of the 19th and early 20th centuries is the focus of his repertory. His interpretations of Bruckner, Mahler, and Shostakovich in particular have become benchmarks, but Haitink is equally well known for his performances of Viennese Classicism. In recent years at LUCERNE FESTIVAL, Haitink has devoted himself to cycles of the complete symphonies and concertos of Beethoven, Brahms, and Schumann. He is also associated with the Festival as an educator and since 2011 had led a master class in conducting each year at Easter. Haitink is a Knight of the British Empire, a Companion of Honour, and a member of the Order of the House of Orange-Nassau. In 2017 he received the highest civil distinction of his homeland when he was promoted to Commander of the Order of the Netherlands Lion.

    LUCERNE FESTIVAL (IMF) debut on 17 August 1966 with the Swiss Festival Orchestra in a program of works by Schubert, Martin, and Mahler.

    July 2018

    Other dates

    Isabelle Faust

    The violinist Isabelle Faust was born in 1972 in Baden-Württemberg. Only 11 when she founded her own string quartet, she won the Leopold Mozart Competition in 1987. In Christoph Poppen she discovered a mentor for whom chamber music was also a central part of musical life. After winning the Paganini Competition in 1993, she moved to France, where she intensively studied the works of Fauré and Debussy and became known for her recordings of the sonatas of Bartók, Szymanowski, and Janáček. Faust performs a repertoire ranging from the early Baroque and Bach up to such contemporary composers as György Ligeti, Helmut Lachenmann, and Jörg Widmann. She is especially interested in examining how a work has been created, which includes studying original sources and taking into account historically informed performance practice. Faust, who was “artiste étoile” during the 2015 Lucerne Summer Festival, works regularly with the Berlin Philharmonic, the Boston Symphony Orchestra, the Chamber Orchestra of Europe, and the Freiburg Baroque Orchestra and has performed with such conductors as Giovanni Antonini, Frans Brüggen, Bernard Haitink, Daniel Harding, Philippe Herreweghe, and Mariss Jansons. Faust concertized regularly with Claudio Abbado in particular; she also recorded the violin concertos of Beethoven and Berg with Abbado, winning the Diapason d’Or, the Echo Klassik, and the Gramophone Award. With her duo partner, the pianist Alexander Melnikov, she has recorded the complete sonatas of Beethoven and Brahms; her most recent release is a Schumann recording that includes the Violin Concerto and the Piano Trios. Isabelle Faust plays the “Sleeping Beauty” Stradivari from 1704.

    LUCERNE FESTIVAL debut on 12 September 2009 playing Michael Jarrell’s … Paysages avec Figures absentes … (Nachlese IV), with the Ensemble Contrechamps under Stefan Asbury.

    August 2016

    «Die Violine ist ein emanzipiertes Instrument»
    Isabelle Faust über Geigen-Pionierinnen, Karrierevoraussetzungen und ihre Violine «Dornröschen»

    Isabelle Faust, beim diesjährigen Sommer-Festival in Luzern spielen Sie Antonín Dvořáks Violinkonzert. Dieses Werk wurde ursprünglich für den grossen Virtuosen Joseph Joachim komponiert, der es indes öffentlich nie zur Aufführung brachte. Stattdessen hat er einmal behauptet, Dvořáks Konzert sei für eine Frau viel zu schwierig. Was sagen Sie dazu?
    Wenn ich derselben Meinung wäre, würde ich dieses Stück natürlich gar nicht spielen, denn wer will sich schon in aller Öffentlichkeit blamieren … Ich denke, es gibt genug weibliche Geigerinnen, die längst die voreiligen Worte des von mir verehrten Joseph Joachim Lügen gestraft haben. Das Dvořák-Konzert war übrigens eines der allerersten grossen Violinkonzerte, die ich mir in jungen Jahren vorgenommen hatte, und ich liebe es heute noch genauso wie damals.

    Joseph Joachim wurde noch zu Lebzeiten widerlegt, nämlich von seiner eigenen Schülerin Maud Powell, die 1893 in New York die amerikanische Erstaufführung des Dvořák-Konzerts spielte. Wer sind für Sie die «prime donne», die grossen Pionierinnen unter den Violinvirtuosen?
    Es gab in der Vergangenheit fantastische, hochtalentierte Geigerinnen, ich denke da zum Beispiel an Isolde Menges, Kathleen Parlow, Alma Moodie, Ginette Neveu, Erica Morini, Galina Barinova, Ida Haendel und viele andere. Schon allein die Zahl weiblicher Virtuosinnen, die das doch sehr «maskuline» Brahms-Konzert kurz nach der Uraufführung durch Joseph Joachim einstudiert und erfolgreich aufgeführt haben (man denke nur an Marie Soldat, die Brahms höchstpersönlich damit in Entzücken versetzte!), ist beachtlich … Auch Stefi Geyer fällt mir jetzt spontan ein, die Geigerin, für die Bartók und Schoeck ihre Violinkonzerte schrieben. Oder Jelly d’Arányi, für die Ravel seine Tzigane schuf. Einen ersten bedeutenden Durchbruch für die Akzeptanz des weiblichen Violinspiels erzielten die Milanollo-Schwestern in den 1840er Jahren: Sie durchbrachen offenbar einige Vorurteile, denn die Violine wurde im 19. Jahrhundert allgemein tatsächlich als «nicht feminin» angesehen. Gleichzeitig aber wurde den konzertierenden Damen oft ein besonders gefühlstiefes (weniger virtuoses) Spiel zugeschrieben. In diesem Kontext ist es zum Beispiel sehr interessant zu sehen, wie die Geigerin Wilma Neruda in vielen Rezensionen Joseph Joachim quasi gleichgestellt wurde. Sie war so geschätzt, dass sie es sogar wagen konnte, zeitgenössische Werke aufzuführen.

    Wenn Sie an Ihre eigene Jugend zurückdenken, an Ihre Anfänge: Gab es da Geigerinnen, die Sie sich zum Vorbild nahmen? Oder haben Sie sich eher an männlichen Kollegen orientiert?
    Anne-Sophie Mutter war damals natürlich sehr präsent und wurde gerade in meiner baden-württembergischen Heimat sehr bewundert. Auch Kyung-Wha Chung und später Midori waren beeindruckende Beispiele. Ich hing musikalisch aber doch eher an älteren Vorbildern aus der Riege Isaac Stern, Arthur Grumiaux, Adolf Busch, Zino Francescatti und eben Ginette Neveu. Im Klavierrepertoire gibt es Werke, zum Beispiel die Klavierkonzerte von Brahms, die wesentlich seltener von Frauen als von Männern gespielt werden. Kennen Sie ein vergleichbares Phänomen im Violinrepertoire?
    Ich denke nicht, dass es so etwas bei der Geige gibt – sie benötigt im Vergleich zur Klaviertastatur vielleicht weniger dringend grosse, kraftvolle Hände. Hier entscheidet wohl eher der musikalische Geschmack als die speziell «maskulinen» beziehungsweise «femininen» Voraussetzungen. Ich jedenfalls habe solche Repertoire-Präferenzen bei den Geigern oder Geigerinnen noch nicht feststellen können und musste auch selber bisher noch nie auf ein bestimmtes Stück verzichten, weil es mir «zu maskulin» erschienen wäre.

    Sieht man auf die ganz junge Generation – ob unter den Solisten oder in Orchestern –, dann hat man den Eindruck, dass die Frauen, die Geigerinnen, längst in der Überzahl sind. Wie erklären Sie sich diesen Boom? Ist die Geige ein ideales «Frauen-Instrument»?
    Vielleicht wird das auch etwas überinterpretiert – ich denke, es gibt genauso viele wunderbare männliche Kollegen. Die Damen sind vielleicht einfach nur aufgerückt, vor allem seit die Orchester, die früher keine Frauen akzeptierten, sich geöffnet haben. Die Orchester waren ja lange eine pure Männer-Domäne, man denke nur an den legendären Skandal um Sabine Meyer! Speziell für die Violine braucht man aber wahrscheinlich, vor allem am Anfang, besonders viel Disziplin und Zielstrebigkeit, was manchen Mädchen in jungen Jahren vielleicht weniger Schwierigkeiten bereitet als den Jungs. Ich glaube aber wirklich, dass die Violine ein ganz emanzipiertes Instrument ist, das sich in den unterschiedlichsten Händen wohlfühlen kann.

    Ihre eigene Geige, eine Stradivari aus dem Jahr 1704, trägt den Namen einer weiblichen Märchengestalt: Dornröschen. Wissen Sie, wie es dazu kam?
    Sie hat sehr lange, ungefähr 150 Jahre, in einem Herrenhaus im Schrank geschlummert, man hatte sie tatsächlich einfach vergessen, daher der märchenhafte Name. Dass es hier um eine weibliche Märchenfigur geht, ist natürlich purer Zufall. Aber es stimmt, dass diese Violine besonders elegant, wenn nicht sogar zart gebaut ist, vor allem im Vergleich zu den späteren Stradivari-Modellen.

    Und musste dieses «Dornröschen» tatsächlich erst wachgeküsst werden?
    Es kam mir wirklich so vor, und diese royale Prinzen-Aufgabe ist mir zugefallen (da sieht man mal wieder, wie man mit den Rollenmustern falsch liegen kann). Ein Instrument möchte nach so vielen Ruhejahren erst einmal «freigespielt» werden, sich öffnen, aber auch kennengelernt werden. Das hat ein bisschen gedauert, aber nach zwanzig gemeinsamen Jahren sind wir jetzt «per Du».

    Die Fragen stellte Susanne Stähr

    Die gesamte Serie «Frauenfragen» können Sie im Festival-Blog nachlesen.