Symphony Concert 4

Chamber Orchestra of Europe | Bernard Haitink | Alisa Weilerstein


Tue, 16306

KKL Luzern, Concert Hall

Vergangenes Konzert

Bring Young Listeners to a Concert for Free

Please book a wheelchair ticket under t +41 (0) 41 226 44 80 (10 a.m. to 5 p.m.)

Summer Festival

12.08.-11.09. 2016



    Bernard Haitink  conductor
    Bernard Haitink’s 50th Anniversary in Lucerne
    Antonín Dvořák (1841–1904)
    The Noonday Witch, Op. 108
    Concerto for Cello and Orchestra in B minor, Op. 104
    Symphony No. 9 in E minor, Op. 95 From the New World

    After Beethoven, Brahms, and Schumann comes – Antonín Dvořák. Among the pinnacles of LUCERNE FESTIVAL’s programming over the past several years have been the composer cycles offered by Bernard Haitink, the now-87-year-old Dutch conductor and musical legend, with the Chamber Orchestra of Europe. These cycles have wowed audiences and earned admiration for their energetic precision and their detail-oriented exploration of the scores. Haitink now sets his sights on his next master as he undertakes interpretations of two each of the symphonies, concertos, and tone poems by the Czech composer Dvořák. Along with the spooky yet beautiful Noonday Witch, the first of these programs presents two absolute highlights of the Dvořák repertoire: the Symphony From the New World and the Cello Concerto. Playing the solo part will be “the astonishing Alisa Weilerstein,” as the Frankfurter Allgemeine Zeitung described the American cellist, praising her “distinctive musical imagination.”

    Special Offer: Bring Young Listeners to a Concert for Free
    What could be lovelier than introducing young listeners to the enchanting world of classical music? When you buy a ticket for this concert, you will receive a free ticket allowing you to share the concert with a young guest. This offer is for children and youths up to and including 17 years of age – as long as tickets last. You may order your concert tickets by calling +41(0)41 226 44 80. We are available from Monday to Friday between 10 a.m. and 5 p.m.

    Chamber Orchestra of Europe

    The Chamber Orchestra of Europe (COE) was founded in 1981 by a group of young musicians who became acquainted as part of the European Union Youth Orchestra. There are now about 60 members of the COE, who pursue parallel careers as principals and section leaders at nationallybased orchestras, as, eminent chamber musicians, and as tutors of music. From the start, the COE’s identity was shaped by its partnerships with leading conductors and soloists. It was Claudio Abbado above all who served as an important mentor in the early years. He led the COE in such stage works as Rossini’s Il viaggio a Reims and Il barbiere di Siviglia and Mozart’s Figaro and Don Giovanni and conducted numerous concerts featuring works by Schubert and Brahms in particular. Nikolaus Harnoncourt also had a major influence on the development of the COE through his performances and recordings of all of the Beethoven symphonies, as well as through opera productions at the Salzburg, Vienna, and styriarte festivals. Currently the orchestra works closely with Yannick Nézet-Séguin, Sir András Schiff, and especially Bernard Haitink, with whom it has been appearing at LUCERNE FESTIVAL each year since 2007. It also enjoys close partnerships with the violinists Lisa Batiashvili and Janine Jansen and their colleague Leonidas Kavakos; the pianist Pierre-Laurent Aimard; and the conductors Vladimir Jurowski, Sir Antonio Pappano, and Robin Ticciati. The COE performed Mozart’s The Magic Flute under Yannick Nézet-Seguin in July 2018 in Baden-Baden. With more than 250 works in its discography, the COE’s CDs have won over 60 international prizes, including the Grammy Award, Gramophone’s Record of the Year Award, and MIDEM’s Classical Download Award. Their most recent releases, which appeared in the first half of 2018, include Visions of Prokofiev and Mozart’s La clemenza di Tito, both conducted by Yannick Nézet-Séguin.

    LUCERNE FESTIVAL (IMF) debut on 21 August 1986 in a program of works by Prokofiev, Mendelssohn, and Brahms under Claudio Abbado.

    For further information on this ensemble, visit their homepage at:

    July 2018

    Other dates

    Bernard Haitink

    Bernard Haitink was born in 1929 in Amsterdam. Trained as a violinist, he appeared on the podium for the first time in 1954 to conduct the Netherlands Radio Symphony Orchestra. In 1956 he made his debut with the Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam, which in 1961 appointed him Music Director. For 27 years he had full responsibility there, and he is currently Honorary Conductor of the orchestra, with which he most recently (in June 2018) performed Mahler’s Ninth Symphony. Haitink has also held leadership positions with the London Philharmonic Orchestra (1967–79), the Glyndebourne Festival (1977–88), the Royal Opera House in London (1987–2002), and the Staatskapelle Dresden (2002–04) and has served as Principal Conductor of the Chicago Symphony Orchestra (2006–10). As a guest conductor, Haitink regularly conducts the Berlin and Vienna Philharmonics, the Boston Symphony Orchestra, and the Bavarian Radio Symphony Orchestra. In the 2017-18 season, he additionally worked with the London Symphony, the Zurich Tonhalle Orchestra, and the Orchestra Mozart. Music of the 19th and early 20th centuries is the focus of his repertory. His interpretations of Bruckner, Mahler, and Shostakovich in particular have become benchmarks, but Haitink is equally well known for his performances of Viennese Classicism. In recent years at LUCERNE FESTIVAL, Haitink has devoted himself to cycles of the complete symphonies and concertos of Beethoven, Brahms, and Schumann. He is also associated with the Festival as an educator and since 2011 had led a master class in conducting each year at Easter. Haitink is a Knight of the British Empire, a Companion of Honour, and a member of the Order of the House of Orange-Nassau. In 2017 he received the highest civil distinction of his homeland when he was promoted to Commander of the Order of the Netherlands Lion.

    LUCERNE FESTIVAL (IMF) debut on 17 August 1966 with the Swiss Festival Orchestra in a program of works by Schubert, Martin, and Mahler.

    July 2018

    Other dates

    Alisa Weilerstein

    Alisa Weilerstein, who was born in 1982 into a musical family in Rochester, New York, was four when she began playing the cello. She studied with Richard Weiss at the Cleveland Institute of Music, while at the same time earning a degree in Russian history at Columbia University in New York City. At the age of 13 she performed Tchaikovsky’s Rococo Variations with the Cleveland Orchestra, and in 1997 she made her Carnegie Hall debut. Early on Weilerstein began winning major awards, including the Avery Fisher Career Grant (2000), the Leonard Bernstein Award (2006), and the Martin E. Segal Prize of Lincoln Center (2008). Since then she has collaborated with many renowned orchestras in the United States and Europe, as well as with such major conductors as Daniel Barenboim (who conducted her debut with the Berlin Philharmonic), Gustavo Dudamel, Christoph Eschenbach, Pablo Heras-Casado, Paavo Järvi, Zubin Mehta, and Matthias Pintscher. She devotes a significant part of her work to contemporary music. At the New York Philharmonic Biennial in 2014 she gave the premiere of Pintscher’s Reflections on Narcissus, and in May 2016 she premiered Pascal Dusapin’s new Cello Concerto Outscape with the Chicago Symphony Orchestra. Additional performances in the 2015-16 season were with the Bavarian Radio Symphony Orchestra,  the London Symphony Orchestra, the Maggio Musicale Fiorentino, and the Frankfurt Radio Symphony Orchestra. Weilerstein’s recording of the cello concertos of Carter and Elgar, which she made with the Staatskapelle Berlin under Daniel Barenboim, was named Recording of the Year by BBC Music Magazine. Her most recent release is a recording of cello sonatas by Rachmaninoff and Chopin.

    August 2016

    «Die Kraft muss aus dem Innern kommen»
    Alisa Weilerstein über frühe Dvořák-Erlebnisse, Cellopionierinnen und Körpereinsatz

    Alisa Weilerstein, Sie feiern Ihr Luzerner Festspieldebut mit Dvořáks berühmtem Cellokonzert. Was bedeutet dieses Werk für Sie persönlich?
    In meiner Erinnerung ist das Dvořák-Konzert das erste Cellowerk, das ich in meiner frühen Kindheit gehört habe – oder jedenfalls das erste, das sich in mein Gedächtnis eingegraben hat. Ich war damals vielleicht zwei Jahre alt. Das führte dazu, dass ich dieses Stück sofort lernen wollte, als ich mit vier Jahren Cellounterricht erhielt. Tatsächlich habe ich sehr bald versucht, den Cellopart zu «spielen» oder mich irgendwie durchzuwursteln. Ernst wurde es dann, als ich zwölf war: Da habe ich es professionell einstudiert, und wiederum zwei Jahre später habe ich es erstmals in einem Konzert aufgeführt. Mittlerweile allerdings habe ich den Dvořák so oft gespielt, dass ich aufgehört habe mitzuzählen. Ich denke, das Cellokonzert ist eines der besten Werke dieses Komponisten überhaupt, in gewisser Weise seine Zehnte Sinfonie. Denn es hat diese unglaublich reiche Orchestrierung und emotionale Bandbreite – ein tolles Stück. Was den Solopart angeht, so halte ich die musikalische Herausforderung für grösser als die technische: Man muss die Strukturen gut herausarbeiten, die Stimmen geschickt gewichten und der speziellen «Unschuld» dieser Musik gerecht werden: ihrer Naturliebe, ihrem Idealismus.

    Sie haben schon erwähnt, dass Sie erst vier waren, als Sie mit dem Cellospiel begannen: Was hat Sie an diesem Instrument denn so fasziniert?
    Ich stamme ja aus einer Musikerfamilie und bekam deshalb schon als Kleinkind viele Instrumente zu hören. Aber ich weiss noch, dass für mich nur das Cello in Frage kam – entweder das oder gar nichts. Und ich lag damit nicht so falsch, denn heute bin ich der Meinung, dass sich auf keinem anderen Instrument all das besser ausdrücken lässt, was man nicht in Worte fassen kann – bis hin zu komödiantischen Aspekten.

    Sie gehören der jungen Interpretengeneration an, die im Zeitalter der Gleichberechtigung aufgewachsen ist. Für viele Ihrer Vorgängerinnen war eine Solistenkarriere aber noch nicht selbstverständlich: Welche Cellistinnen würden Sie als Wegbereiterinnen bezeichnen?
    Zunächst einmal die Portugiesin Guilhermina Suggia, die von 1885 bis 1950 lebte und als eine der ersten eine glamouröse Karriere machte. Dann natürlich Zara Nelsova, die 2002 im Alter von 83 Jahren starb: Bei ihr habe ich sogar noch Meisterkurse nehmen können, in Aspen. Sie war eine grossartige Musikerin – und eine Diva auf der Bühne. Sie legte zum Beispiel grossen Wert darauf, wie man auftritt, also das Podium betritt, oder wie man dort Platz nimmt und sitzt. Die Eleganz, die sie ausstrahlte, hat mich sehr beeindruckt. Als dritte möchte ich Jacqueline du Pré nennen, die das Idol meiner Jugendjahre war und die ich über alles bewundert habe, weil sie eine solche Natürlichkeit ausstrahlte und einen ganz direkten musikalischen Zugriff hatte. Leider starb sie schon, als ich erst fünf Jahre alt war. Diese drei Musikerinnen haben meiner Generation den Weg geebnet.

    Im 19. Jahrhundert mussten Cellistinnen noch im «Damensitz» spielen und durften ihr Instrument nicht zwischen die Beine nehmen, sondern hatten es links des Körpers zu halten. Könnten Sie so musizieren?
    Nein, das ist unmöglich, so kann man keinen grossen Klang produzieren. Denn das Cellospiel verlangt doch vollen Körpereinsatz – züchtiges Gehabe ist da fehl am Platz! Aber diese Geschichte ist bezeichnend für den schwierigen und mühevollen Weg, den wir Frauen über die Jahrhunderte zurücklegen mussten.

    Glauben Sie, dass es bestimmte musikalische Qualitäten gibt, die sich häufiger bei Frauen finden oder umgekehrt bei Männern?
    Das würde ich nicht sagen. Ich glaube, dass die Musik und das Musizieren mit dem Geschlecht nichts zu tun haben. Worauf es ankommt, sind individuelle Qualitäten, angefangen mit der Ausbildung, dem Instinkt oder dem Intellekt.

    Und wie sieht es mit physischen Faktoren aus, mit der Kraft oder der Spannweite der Hände?
    Es kommt immer darauf an, wie man mit seinen Anlagen umgeht und sie einsetzt – Grösse und physische Kraft allein sind nicht ausschlaggebend. Ich selbst bin zum Beispiel nicht gerade hochgewachsen, an meinen besseren Tagen erreiche ich vielleicht 1,57 Meter, weshalb ich auch so gerne High Heels trage. Aber ich habe von guten Lehrern und durch Erfahrung gelernt, wie ich gleichwohl einen voluminösen Ton erreiche, der auch in grossen Sälen trägt. Man muss dazu den ganzen Körper zum Einsatz bringen – es ist ein wenig wie bei Yoga. Das heisst, die Kraft muss aus dem Innern kommen, gestützt vom Rücken und vom Bauch; die Beine bilden ebenfalls eine wesentliche Stütze. Dadurch fliesst dann eine intensive Energie, und natürlich muss man die Arme frei bewegen können, denn so entsteht der reichhaltige Klang.

    Von allen Musikerinnen haben es bis heute die Dirigentinnen am schwersten. Haben Sie schon einmal mit einer Dirigentin zusammengearbeitet?
    Oh ja, sehr oft sogar – und das waren eindrucksvolle Erlebnisse. Wir stehen vor der glücklichen Situation, dass eine Reihe hochbegabter Dirigentinnen zur grossen Karriere ansetzt: Denken Sie nur an Mirga Gražinytė-Tyla, die neue Musikdirektorin des City of Birmingham Symphony Orchestra, oder an Karina Canellakis, die gerade den «Sir Georg Solti Conducting Award» gewonnen hat. Nicht zu vergessen Marin Alsop, mit der ich nächste Woche wieder zusammenarbeiten werde: Sie ist eine echte Vorreiterin. Ebenso Simone Young, mit der ich schon öfter aufgetreten bin. Es tut sich wirklich etwas in der Branche! Auch weil die Orchester endlich eine grössere Offenheit zeigen und dadurch die Chance entsteht, dass wir häufiger Frauen am Pult erleben und sie als etwas Normales empfinden werden. Marin Alsop hat die Situation der Dirigentinnen mit derjenigen der Pilotinnen verglichen und erzählt, wie sie einmal erschrak, als sie merkte, dass das Flugzeug, in das sie einsteigen wollte, von einer Frau geflogen wird. Und dabei gleichzeitig konstatierte, dass ihr spontaner Impuls genau dem Verhaltensmuster jener Sexisten entsprach, deren «Erziehung» sie sich doch eigentlich zur Aufgabe gemacht hat. Mit anderen Worten: Wir alle müssen versuchen, die eingefahrenen Erwartungshaltungen zu verändern. Aber wir sind schon auf einem ganz guten Weg.

     Interview: Susanne Stähr

    Die gesamte Serie «Frauenfragen» können Sie im Festival-Blog nachlesen.

    Broadcast date
    Radio SRF 2 Kultur | Broadcast on Sunday, 21 August at 10 pm.